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Resumo Este artigo reexamina os toques do candomblé ketu como sistemas performáticos complexos, propondo compreendê-los pelas categorias de ferro e couro, as quais organizam percepções, temporalidades e a performance ritual. Com base no musipensar e no conceito de núcleo estruturante, argumenta que um toque não se limita a padrões rítmicos justapostos, mas opera como uma tecnologia comunicacional num sentido amplo, articulando as diversas camadas que conformam as artes musicais candomblecistas. A partir da experiência prática do autor como tamborero-pesquisador, o texto sustenta que tocar tambores sagrados ultrapassa a prática percussiva e configura uma forma de produzir sentido e orientar a vida.

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Abstract This article reexamines Ketu’s candomblé toques as complex performative systems, proposing that they be understood through the categories of ferro (iron) and couro (leather), which organize perceptions, temporalities, and ritual performance. Grounded on musithinking (musipensar) and the concept of a structuring nucleus, it argues that a toque is not limited to juxtaposed rhythmic patterns, but operates as a communicational technology in a broad sense, articulating the multiple layers that constitute candomblé’s musical arts. Drawing from the author’s practical experience as a drummer-researcher, the text maintains that playing sacred drums exceeds percussive practice and constitutes a way of producing meaning and orienting life.

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Resumo O presente artigo tem como objeto de estudo a relação texto-música de Let my Love be Heard de Jake Runestad, composta para coro misto. Foram utilizadas abordagens analíticas tradicionais e contemporâneas, tais como análise harmônica, temática, formal e de tópicas musicais, a fim de se elaborar uma hipótese analítica que possa revelar as relações estruturais da música em diálogo com a poesia previamente existente que constitui o texto cantado da obra. Para a concretização da análise tópica foi necessário propor uma definição para a “tópica elegíaca”, devido ausência de definição clara da mesma por parte dos autores da teoria.

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Abstract This article has as its object of study the text-music relationship of Let my Love be Heard by Jake Runestad, composed for mixed choir. Traditional and contemporary analytical approaches were used, such as harmonic, thematic, formal, and musical topic analysis, in order to elaborate an analytical hypothesis that can reveal the structural relationships of the music in dialogue with the pre-existing poetry that constitutes the sung text of the work. For the realization of the topic analysis, it was necessary to propose a definition for the "elegiac topic," due to the absence of a clear definition of it by the theory authors.

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Resumo Este artigo apresenta uma análise textural de cinco canções para canto e piano de Camargo Guarnieri (1907-1993), intituladas Olhe-me tão somente, Cantiga, Não adianta dizer nada…, Canção ingênua e Onde andará…, compostas entre os anos de 1951 e 1959, com o intuito de discutir e apontar características contrapontísticas da escrita pianística e da sua relação com a linha vocal. A fim de esmiuçar e delinear a análise textural, este estudo se baseia nos conceitos de Wallace Berry (1987) no que concerne à categorização dos níveis de independência e de interdependência dos componentes texturais. A aplicação desta ferramenta analítica permite quantificar o grau de independência e de interdependência, por consequência, aprofunda o estudo da linguagem composicional das canções sob a perspectiva da relação entre canto e piano. Desse modo, procuramos contribuir para o estudo do gênero canção de câmara, bem como colaborar para a difusão e valorização deste repertório.

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Abstract This article presents a textural analysis of five songs for voice and piano by Camargo Guarnieri (1907-1993), entitled Olhe-me tão somente, Cantiga, Não adianta dizer nada…, Canção ingênua e Onde andará…, composed between the years 1951 and 1959, with the aim of discussing and pointing out contrapuntal characteristics of pianistic writing and their relationship with the vocal line. In order to scrutinize and outline the textural analysis, this study is based on the concepts of Wallace Berry (1987) regarding the categorization of levels of independence and interdependence of textural components. The application of this analytical tool makes it possible to quantify the degree of independence and interdependence, consequently deepening the study of the compositional language of songs from the perspective of the relationship between singing and piano. In this way, we seek to contribute to the study of the chamber song genre, as well as to contribute to the dissemination and appreciation of this repertoire.

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Resumo este artigo toma como base o conceito de gestos funcionais retóricos (Almada, 2025), vinculado à Teoria dos Esquemas e à prática harmônica da música popular. Tal fundamentação possibilita descrever o gesto Waldstein, cuja denominação deriva de seu modelo, extraído dos compassos iniciais da Sonata para Piano op. 53 de Beethoven. Após identificadas suas características construtivas e feitas as devidas adaptações às condições peculiares do repertório musical popular, o gesto Waldstein é plotado como grafo direcionado no Espaço Tetrádico, um espaço acordal especialmente elaborado para a identificação e a qualificação de relações harmônicas entre tétrades assimétricas. Trechos de cinco obras do repertório musical popular que empregam o referido gesto são analisadas na seção final do artigo, seguindo-se uma discussão comparativa, o que permite identificar os elementos caracterizantes de tal estratégia composicional.

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Abstract This article is based on the concept of rhetorical functional gestures (Almada, 2025), associated with the Schema Theory and the harmonic practice of popular music. This framework provides the means for the descriptions of the Waldstein gesture, whose designation derives from its model, extracted from the opening bars of Beethoven's piano sonata, Op. 53. After identifying its constructive characteristics and making the necessary adaptations to the peculiar conditions of the popular musical repertoire, the Waldstein gesture is plotted as a directed graph in Tetradic Space, a chordal space specially designed for the identification and qualification of harmonic relationships between asymmetrical seventh chords. Excerpts from five pieces from the popular musical repertoire that employ the aforementioned gesture are analyzed in the final section of the article, followed by a comparative discussion, which allows us to identify the characteristic elements of such a compositional strategy.

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Abstract This article explores how practices led by female performers can offer a situated model for challenging two deeply entrenched conventions in Western concert music: Werktreue (the ideal of fidelity to the composer’s score) and the paradigm of the disciplined yet ostensibly “neutral” performer’s body. Grounded in my artistic practice as a Brazilian-Mexican performer-creator, I present four electroacoustic audiovisual works for five-string electric cello-developed in collaboration with visual artists Adela Marín (Costa Rica) and Jessica Rodríguez (Mexico) as part of the collective Féminas Sonoras. Drawing on feminist theory, decolonial thought, and a practice-as-research methodology, I explore how aesthetic choices can function as critical tools for reclaiming artistic agency. I introduce the concept of the female sonic body as a situated, culturally inscribed site of authorship and knowledge production. Rather than reproducing dominant paradigms of concert music, the performer-creator practice seeks to re-signify the act of performance as both a feminist and epistemological intervention.

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Resumo este artigo procura identificar e discutir particularidades performativas do repertório para a mão esquerda. Foram selecionadas cinco obras de compositores portugueses (António Chagas Rosa, Cláudio Carneyro, Christopher Bochmann, Joaquim d’Almeida e Paulo Bastos) como base em pesquisa de estudos de caso, assente numa abordagem qualitativa informada pela prática e em inferência a partir da partitura, com parâmetros de análise baseados nas estratégias para pianistas com mãos pequenas de Lora Deahl e Brenda Wristen (2017). Além de integrarem um repertório pouco estudado, estas obras permitem a comparação com abordagens a duas mãos ou para mão direita solo. Os limites de abertura de mão e dedos, de deslocação no teclado e da execução ‘simultânea de múltiplos acontecimentos’ colocam dificuldades de fadiga, força e alcance. As soluções motoras, técnicas e musicais revelam padrões específicos associados à execução com uma só mão, configurando-se enquanto elementos estruturantes na construção de uma linguagem performativa própria.

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Abstract this article aims to identify and discuss performative particularities of the left-hand piano repertoire. Grounded in a qualitative, practice-informed approach, and score-based inference, with analysis parameters based on the strategies for pianists with small hands by Lora Deahl and Brenda Wristen (2017), this research addresses five case studies by Portuguese composers: António Chagas Rosa, Cláudio Carneyro, Christopher Bochmann, Joaquim d’Almeida, and Paulo Bastos. In addition to belonging to a limited corpus of repertoire, these works allow the comparison with two-handed or right-hand solo approaches. The limitations of hand and finger span, keyboard navigation, and ‘simultaneity of multiple events’ pose challenges of fatigue, strength, and reach. Motor, technical, and musical solutions reveal specific patterns associated with one-handed performance, constituting structural elements in the development of a distinctive performative language.

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Resumo Este artigo analisa três conjuntos de manuscritos de Rogério Duprat para Noite vazia (1964), de Walter Hugo Khouri. A pesquisa relaciona partituras, anotações de parâmetros sonoros e indicações para montagens em fitas magnéticas à investigação das condições técnicas de produção do filme. A análise examina como procedimentos da música de vanguarda - organização serial, manipulação eletroacústica e práticas de estúdio - se integram à construção dramática da obra. Os manuscritos evidenciam a articulação entre composição, gravação e montagem como dimensões de um mesmo processo criativo e permitem reconhecer características do aparato técnico dos estúdios da Companhia Cinematográfica Vera Cruz. O artigo situa a trilha de Noite vazia no panorama das transformações técnicas, estéticas e produtivas do cinema brasileiro nos anos 1960, destacando o engajamento de Duprat na música de vanguarda e sua colaboração com Khouri em um momento de mudanças políticas, culturais e intensa experimentação artística na cinematografia brasileira.

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Abstract This article analyzes three sets of manuscripts by Rogério Duprat for Noite vazia (1964), directed by Walter Hugo Khouri. The study relates musical scores, annotations of sound parameters, and instructions for tape montage to the technical conditions of the film’s production. It examines how procedures associated with avant-garde music - serial organization, electroacoustic manipulation, and studio practices - integrate with the film’s dramatic construction. The manuscripts reveal the articulation between composition, recording, and editing as dimensions of a single creative process and make it possible to identify characteristics of the technical apparatus available in the studios of Companhia Cinematográfica Vera Cruz. The article situates the soundtrack of Noite vazia within the technical, aesthetic, and production transformations of Brazilian cinema in the 1960s, highlighting Duprat’s engagement with avant-garde music and his collaboration with Khouri during a moment of political and cultural change and intense artistic experimentation in Brazilian filmmaking.

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Resumo Pesquisas recentes de Afonso (2021), Afonso e Sueiro (2022), Afonso e Scarduelli (2024) apontam que, embora tenha havido uma ampla diversidade de métodos a partir do fim do século XVIII - desde a escola denominada clássico-romântica até o desenvolvimento de abordagens fundamentais, como as propostas por Tárrega e Carlevaro -, o tratamento pedagógico da articulação no violão permanece predominantemente superficial. Nesse contexto, segundo Costa e Oliveira (2015), Gaião e Ribeiro (2022), a obra de iniciação ao violão de Henrique Pinto (1978) é amplamente utilizada no meio pedagógico brasileiro. Entretanto, ao analisarmos a questão da articulação, observamos que, no primeiro volume, não há informações consistentes referentes a este tema. A presente pesquisa visa propor o estudo mecânico da articulação staccato e legato e sua aplicação em uma peça presente no método. Como resultado, acreditamos que tais reflexões possam contribuir para a inserção do estudo da articulação desde as etapas iniciais da formação violonística.

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Abstract Recent studies (Afonso, 2021), (Afonso; Sueiro, 2022), (Afonso; Scarduelli, 2024) indicate that, although a wide variety of methods emerged from the late 18th century onward - ranging from the Classical-Romantic school up to those proposed by Tárrega and Carlevaro - the pedagogical treatment of articulation in the guitar remains largely superficial. In this context, Costa and Oliveira (2015), Gaião and Ribeiro (2022), highlight that Henrique Pinto’s Iniciação ao Violão (1978) is widely employed within Brazilian guitar pedagogy. However, when examining the question of articulation, it becomes evident that the first volume of this method does not provide consistent information on the subject. The present study aims to propose a mechanical investigation of staccato and legato articulations and their application in a piece drawn from Pinto’s method. It is expected that such reflections may contribute to the incorporation of articulation studies from the early stages of guitar training.

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Resumo Este artigo apresenta uma introdução às técnicas criadas pelo compositor, pianista, teórico musical e pedagogo russo Serguei Taneyev (1856-1915) para a composição de contrapontos móveis com deslocamentos verticais e horizontais segundo o estilo estrito, conforme apresentadas por ele em seu tratado “Contraponto Móvel em Estilo Estrito” de 1909. Após um pequeno sumário biográfico sobre Taneyev, o artigo apresenta o conceito de contraponto complexo e sua capacidade de se manter correto após certos deslocamentos verticais ou horizontais, ao que se seguem explicações sobre o método matemático desenvolvido por Taneyev para efetuar tal contraponto, com instruções e exemplificações de como realizá-lo para contrapontos a 2 e 3 vozes. Como conclusão, a metodologia de Taneyev é brevemente comparada com outras formalizações pedagógicas de contraponto dos séculos XIX e XX, demonstrando seu caráter único, minuciososo e completo, que fornece àquele que o estuda as chaves para difíceis processos de escrita musical polifônica.

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Abstract This article presents an introduction to the techniques created by the Russian composer, pianist, music theorist and pedagogue Sergei Taneyev (1856-1915) for the composition of movable counterpoint with vertical and horizontal shifts according to the strict style, as presented by him in his 1909 treatise “Convertible Counterpoint in the Strict Style”. After a brief biographical note on Taneyev, the paper presents the concept of complex counterpoint and its capability of keeping itself correct after certain vertical or horizontal shifts, after which follow explanations on the mathematical method developed by Taneyev to effect such counterpoint, with instructions and exemplifications on how to write it for two and three-voice counterpoints. As a conclusion, Taneyev’s methodology is briefly compared to other 19th and 20th-century counterpoint pedagogical formalizations, attesting to its unique, meticulous and complete character, which provides to those who study it the keys to difficult processes of polyphonic musical writing.

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Resumo Eclética, a instrumentação de obras escritas para percussão muitas vezes restringe a sua difusão pelas dificuldades em se conseguir instrumentos específicos. Aspectos culturais, orçamentários e/ou logísticos acabam por limitar a disseminação do repertório, restringindo a fruição pública de algumas práticas musicais. Cabe ao percussionista buscar soluções criativas para suprir/substituir certos materiais, sendo capaz de levar a cabo a performance de obras outrora 'inatingíveis' pelas exigências instrumentais, ampliando o impacto do seu fazer musical através da disseminação, comunicação e potencial criativo das obras e da sua performance. Selecionamos Directionlessness (2020/2022), de Luís Bittencourt (1981-), como estudo de caso para demonstrar possibilidades de substituição instrumental. Apoiados em autores como Gianesella, Schick, La Frave, Reed, Stene, Fernando e Santos, sugerimos a substituição das peças de vidro, comparando-as sonoramente, além de refletir sobre a viabilidade musical e performativa da proposta de substituição.

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Abstract The eclectic instrumentation of percussion works often restricts their dissemination due to the difficulties in obtaining specific instruments. Cultural, budgetary and/or logistical aspects end up limiting the repertoire dissemination, restricting the public enjoyment of some musical practices. It is up to the percussionist to find creative solutions to supply/replace certain materials, being able to carry out the performance of works that were “unattainable” due to instrumental requirements, expanding the impact of their music-making through the dissemination, communication and creative potential of the works and their performance. We selected Directionlessness (2020/2022), by Luís Bittencourt (1981-), as a case study to demonstrate the possibilities of instrumental substitution. Supported by authors such as Gianesella, Schick, La Frave, Reed, Stene, Fernando e Santos, we suggest replacing the glass pieces, comparing them sonically, as well as reflecting on the musical and performative viability of the proposed replacement.

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Resumo Este artigo examina o papel de Carleton Sprague Smith em aspectos da carreira do compositor brasileiro Camargo Guarnieri no contexto do pan-americanismo dos anos 1940. A partir de materiais de arquivo, correspondência, jornais e relatórios oficiais, analisa-se a relação pessoal e profissional entre ambos, enfatizando o apoio de Smith na viabilização de oportunidades internacionais e no desenvolvimento artístico de Guarnieri. A análise situa Smith nas iniciativas de diplomacia cultural do Office of Inter-American Affairs (OIAA) e da União Pan-Americana, ressaltando sua atuação como intermediário cultural. Atenção especial é dada ao diálogo musical entre os dois, refletido nas obras para flauta que Guarnieri lhe dedicou, revelando tanto engajamento artístico quanto reciprocidade pessoal. Os resultados indicam que, embora a influência de Smith tenha se limitado a aspectos específicos da trajetória de Guarnieri, sua colaboração contribuiu para ampliar sua presença internacional e aprofundar sua exploração da flauta em sua produção.

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Abstract This article examines Carleton Sprague Smith’s role in shaping aspects of Brazilian composer Camargo Guarnieri’s career within the context of 1940s Pan-Americanism. Drawing on archival materials, correspondence, newspapers, and official reports, it explores their personal and professional relationship, emphasizing Smith’s support in facilitating Guarnieri’s international opportunities and artistic development. The analysis situates Smith within cultural diplomacy efforts of the Office of Inter-American Affairs (OIAA) and the Pan-American Union and highlights his role as a cultural intermediary. Particular attention is given to the musical dialogue between the two men, as reflected in the flute works Guarnieri dedicated to Smith, which reveal both artistic engagement and personal reciprocity. The findings suggest that while Smith’s influence was limited to specific aspects of Guarnieri’s career, his advocacy and collaboration contributed to expanding the composer’s presence abroad and to deepening his exploration of the flute in his compositional output.

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Resumen Este artículo presenta aspectos históricos del desarrollo de la música electroacústica en Colombia, a partir de una extensa investigación en fuentes primarias realizada en diversos centros de documentación musical del país (Martínez, 2025). Forma parte de los resultados del componente historiográfico de dicha investigación, la cual estuvo enfocada en el estudio del espacio y la espacialización en la música para medios tecnológicos en Suramérica. Este trabajo permitió construir un relato histórico dividido en tres etapas. En este documento se aborda la segunda etapa, comprendida entre las décadas de 1980 y 1990, caracterizada por el surgimiento y la consolidación de la escena electroacústica en Colombia. Asimismo, se destaca el papel fundamental de los principales espacios de difusión de este repertorio, entre ellos el Festival Internacional de Música Contemporánea de Bogotá, que contribuyó significativamente a la visibilización, circulación y fortalecimiento de este campo musical en el contexto nacional.

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Abstract This article presents historical aspects of the development of electroacoustic music in Colombia, based on extensive research in primary sources conducted across various musical documentation centers in the country (Martínez, 2025). It is part of the results of the historiographical component of that research, which focused on the study of space and spatialization in music for technological media in South America. This work made it possible to construct a historical narrative divided into three stages. This paper addresses the second stage, spanning the 1980s and 1990s, characterized by the emergence and consolidation of the electroacoustic scene in Colombia. It also highlights the fundamental role of the main dissemination spaces for this repertoire, including the Bogotá International Festival of Contemporary Music, which significantly contributed to the visibility, circulation, and strengthening of this musical field within the national context.

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Resumen Este artículo analiza la evolución organológica de la guitarra clásica, desde sus raíces tradicionales hasta las propuestas contemporáneas que incorporan materiales y tecnologías innovadoras. Se examina el papel fundamental de la tapa en la calidad sonora del instrumento, así como la utilización de materiales no convencionales -como la fibra de carbono, el nómex y la madera de balsa- en la construcción de guitarras de concierto. Se reflexiona sobre el impacto ecológico de la lutería actual y se plantea la exploración de diversos materiales naturales y sintéticos como alternativas viables. El estudio incluye una encuesta dirigida a guitarristas profesionales de reconocida trayectoria, cuyas respuestas evidencian una creciente apertura hacia instrumentos construidos con nuevos materiales, siempre que se mantengan altos estándares sonoros y ergonómicos. El trabajo ofrece una perspectiva integradora entre tradición, innovación y responsabilidad ambiental, orientada al desarrollo de guitarras clásicas de alta calidad para intérpretes profesionales.

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Abstract This article analyses the organological evolution of the classical guitar, from its traditional roots to contemporary proposals that incorporate innovative materials and technologies. It examines the fundamental role of the soundboard in the instrument’s tonal quality, as well as the use of unconventional materials-such as carbon fibre, nomex, and balsa wood-in the construction of concert guitars. Based on principles of sustainability, it reflects on the ecological impact of current lutherie practices and considers the exploration of various natural and synthetic materials as viable alternatives. The study includes a survey aimed at renowned professional guitarists, whose responses reveal a growing openness towards instruments built with new materials, provided that high sonic and ergonomic standards are maintained. The work offers an integrative perspective between tradition, innovation, and environmental responsibility, aimed at the development of high-quality classical guitars for professional performers.

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Resumo Este trabalho tem como objetivo discutir alguns dos fatores históricos, situados no século XIX, que levaram a composição a se afastar da formação musical inicial. Atualmente as práticas composicionais são componentes não centrais em muitos programas educativos, o que leva a uma necessidade de entendimento dos caminhos que nos conduziram a isso. Partindo de referências da história da música, da teoria, da performance e da educação musical, debatemos como as práticas composicionais foram se distanciando da formação musical ao longo da transição da estética clássica para a romântica. Este artigo faz uma breve apresentação do modelo de ensino desenvolvido nos conservatórios napolitanos no século XVIII, debate as transformações desse modelo ao longo do século XIX, discute o processo de construção do compositor como gênio e finaliza abordando o modelo de ensino de música em prática entre o final do século XIX e começo do XX.

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Abstract This paper discusses some of the historical factors that led to composition becoming detached from music education. Currently, compositional practices are peripheral components in many educational programs, necessitating an understanding of the historical paths that led to this shift. Drawing on references from music history, theory, performance, and music education, we discuss how compositional practices became distanced from musical training during the transition from Classical to Romantic aesthetics. The article provides a brief overview of the teaching model developed in Neapolitan conservatories in the 18th century, analyzes its transformations throughout the 19th century, discusses the social construction of the composer as a genius, and concludes by addressing the music education model developed in universities between the 19th and early 20th centuries.

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Resumo Este trabalho tem como objetivo analisar a instalação sonora interativa Lines, do compositor e pesquisador sueco Anders Lind. Tem-se como proposta apresentar sua estrutura, considerando aspectos visuais, espaciais, interativos e sonoros. O estudo parte de uma breve apresentação sobre o surgimento da instalação artística e, particularmente, sobre a instalação sonora. Busca abordagens nos campos da análise musical e da tecnologia da música digital, a fim de compreender alguns aspectos musicais destacados pelo autor da obra. Além disso, apresenta diferentes possibilidades de interação por meio do movimento corporal do espectador-fruidor; seja este público adulto ou infantil ou mesmo artistas de outras áreas, como a dança. As interações desafiam a criatividade do espectador-fruidor e resultam em texturas sonoras singulares.

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Abstract This paper aims to analyze the interactive sound installation Lines by the Swedish composer and researcher Anders Lind. It proposes to present the work’s structure, considering its visual, spatial, interactive, and sonic aspects. The study begins with a brief overview of the emergence of installation art in contemporary practice and, more specifically, of sound installation. It draws on approaches from the fields of musical analysis and digital music technology in order to understand certain musical aspects highlighted by the creator of the work. In addition, the paper presents different possibilities of interaction through the bodily movement of the spectator-participant, whether adult or child, or even artists from other fields, such as dance. These interactions challenge the creativity of the spectator-participant and result in unique sonic textures.

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Resumo Este artigo descreve o planejamento composicional de Trivium, para flauta doce Helder alto, articulando três referenciais associados ao Trivium: Gramática, Retórica e Lógica. No primeiro movimento, dois programas em Python implementam uma gramática chomskyana do Tipo 3 para gerar strings de classes de alturas submetidas à seleção, aplicação, complementação e polimento composicional. No segundo, um sistema composicional transforma um motivo inicial por meio de figuras retóricas, com retroalimentação heurística. No terceiro, operações booleanas derivadas do planejamento de Herma, de Xenakis, são reutilizadas para produzir conjuntos de classes de alturas organizados em seções formais contrastantes. O estudo propõe uma articulação aplicada desses referenciais em um processo composicional documentado. A contribuição principal é metodológica: demonstrar como modelos formais distintos podem ser convertidos em procedimentos operacionais, submetidos à curadoria composicional e filtrados pelas condições concretas da escrita instrumental. Além disso, o artigo oferece subsídios para o ensino e a prática do planejamento composicional.

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Abstract This article describes the compositional planning of Trivium, for Helder alto recorder, by articulating three referential frameworks associated with Trivium: Grammar, Rhetoric, and Logic. In the first movement, two Python programs implement a Type-3 Chomskyan grammar to generate strings of pitch classes, which are subjected to selection, application, complementation, and compositional polishing. In the second movement, a compositional system transforms an initial motive through rhetorical figures, using heuristic feedback. In the third movement, Boolean operations derived from the planning of Xenakis’s Herma are recontextualized to produce pitch-class sets organized into contrasting formal sections. The study proposes an applied articulation of these frameworks within a documented compositional process. Its main contribution is methodological: it demonstrates how distinct formal models can be converted into operational procedures, subjected to compositional curation, and filtered through concrete conditions of instrumental writing. In addition, the article provides resources for the teaching and practice of compositional planning.

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Resumo Este ensaio é uma reflexão sobre a música do compositor Morton Feldman e seu significado para os compositores da atualidade. Em particular, ele traça o desenvolvimento da estética composicional de Feldman, desde suas primeiras obras gráficas até suas composições tardias, complexas e de duração prolongada. Além disso, analisa o papel que a história desempenha no pensamento composicional tardio de Feldman e na sua reimaginação do som nas obras posteriores.

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Abstract This essay is a reflection on the music of composer Morton Feldman and its significance for composers today. In particular, it traces the development of Feldman's compositional aesthetic from his early graphic works to his later complex compositions of extended durational scale. It also considers the role that history plays in Feldman's late compositional thinking and his reimagining of sound in the later works.