Resumo em Português:

Resumo A rabeca de Valério Bizunga é amplamente reconhecida por rabequistas em todo o Brasil. Neste artigo, investigamos suas práticas artesanais sob uma perspectiva organológica e sociológica. Descrevemos detalhadamente seu processo de construção, explorando a influência de tradições locais da Zona da Mata Norte de Pernambuco e técnicas da construção do violino. Essa análise contribui para a preservação do legado de Bizunga e abre caminho para futuras pesquisas sobre a relação entre as características organológicas de suas rabecas e as práticas musicais a elas associadas.

Resumo em Inglês:

Abstract Valerio Bizunga's rabeca (a Brazilian fiddle) is widely recognized by rabeca players throughout Brazil. In this article, we investigate his artisanal practices from an organological and sociological perspective. We describe in detail his construction process, exploring the influence of local traditions from the Zona da Mata Norte of Pernambuco and violin-making techniques. This analysis contributes to the preservation of Bizunga's legacy and paves the way for future research on the relationship between the organological characteristics of his rabecas and the musical practices associated with them.

Resumo em Português:

Resumo Este artigo se propõe a problematizar a formação do trompista a partir da percepção dos entrevistados e sua atuação profissional, de forma a compreender se os seus estudos formais no Brasil consideraram em seu desenvolvimento a estrutura do trabalho na atualidade. Por meio de entrevistas com trompistas de diferentes partes do país, divididos em três grupos, foi possível compreender se os conteúdos, práticas e repertórios contemplados na formação desses músicos correspondem às possibilidades de atuação profissional e se além de desenvolver tais conteúdos se considera o que de fato pode ser feito com aquilo que se aprende.

Resumo em Inglês:

Abstract This article aims to problematize the training of horn players based on the perceptions of interviewees and their professional activities, in order to understand whether their formal studies in Brazil took into account the current structure of the job market. Through interviews with horn players from different parts of the country, divided into three groups, it was possible to assess whether the content, practices, and repertoires covered in their education align with actual professional opportunities, and whether, in addition to developing these contents, consideration is given to what can in fact be done with what is learned.

Resumo em Português:

Resumo Esta revisão da literatura descreve a relação entre o desenvolvimento de tecnologias e o ensino da regência musical, considerando que gestos musicais são um dos importantes aspectos da regência já que informam a forma, a articulação e as intenções de expressividade da música. Artigos acadêmicos sobre regência e o uso de tecnologias tais como aplicativos de celular, redes de internet, robôs e inteligência artificial (IA) foram selecionados com objetivo de elucidar quais ferramentas tecnológicas estão em desenvolvimento e como podem estar sendo assimiladas às práticas pedagógicas. Como método de análise foi utilizado o enfoque da comparação constante, incluindo a síntese e a interpretação dos artigos. Resultados sugerem que desenvolvedores de tecnologias continuam a explorar modelos no sentido de substituir parcialmente a interação direta professor-aluno no ensino da regência musical. No entanto, as diversas possibilidades exploradas por tecnologistas estão à espera de se tornarem ferramentas tecnológicas disponíveis em contextos de ensino.

Resumo em Inglês:

Abstract This literature review intends to describe the relationship between technological developments and the teaching of music conducting techniques considering that musical gestures are one of the most important aspects since they inform the music's form, articulation, and overall expressiveness of the music. Research articles were purposefully selected to collect information about how current technologies such as smartphone applications, virtual reality, robots, and artificial intelligence (AI) are being or not incorporated into the teaching of music conducting. I used the constant comparative approach to perform this review, including synthesizing and interpreting the selected research articles. Results suggest that technology developers continue to explore models to substitute human-to-human interaction regarding the teaching of music conducting partially. Nevertheless, the diverse possibilities explored are still waiting to become actual tools available in music-conducting teaching settings.

Resumo em Português:

Resumo Este trabalho analisa três performances na guitarra solo por Jonathan Kreisberg na música My Favorite Things, utilizando a teoria da narratividade de Byron Almén (2008) e ideas do campo do Storytelling. É analisado o material audiovisual com transcrições para partitura, observando dados dos fonogramas, o vocabulário melódico e harmônico usados, e outros aspectos. A comparação foca no improviso da versão do álbum ONE (2013), examinando seu discurso como um conflito entre dois conjuntos de isotopias (linhas melódicas e regiões homofônicas), que produz uma narrativa do arquétipo cômico. Conclui-se que Kreisberg segue nas três versões um modelo ou esquema narrativo estabelecido, que contém espaço para espontaneidade. O modelo possui uma exposição arranjada do tema, conflito narrativo entre isotopias, um arco narrativo convexo nos improvisos, pontos de apoio recorrentes e significativa variação entre o vocabulário melódico nas versões, evidenciando a complexidade e sofisticação do trabalho do intérprete.

Resumo em Inglês:

Abstract This work analyzes three performances on solo guitar by Jonathan Kreisberg in the song My Favorite Things, using Byron Almén's theory of narrativity (2008) and ideas from the field of Storytelling. The audiovisual material with transcriptions for score is analyzed, observing data from the phonograms, the melodic and harmonic vocabulary used, and other aspects. The comparison focuses on the improvisation of the album version ONE (2013), examining its discourse as a conflict between two sets of isotopies (melodic lines and homophonic regions), which produces a narrative of the comic archetype. It is concluded that Kreisberg follows in the three versions an established narrative model or scheme, that contains space for spontaneity. The model has an arranged exposition of the theme, narrative conflict between isotopies, a convex narrative arc in the improvisations, recurring support points and significant variation between the melodic vocabulary in the versions, evidencing the complexity and sophistication of the interpreter's work.

Resumo em Português:

Resumo Este artigo investiga o campo da Pesquisa Artística (PA), que, apesar de crescente, enfrenta dificuldades em relação às suas definições. Partindo de algumas críticas à área, o objetivo desta pesquisa é identificar as marcas que definem a PA como um território de pesquisa distinto. Para isso, a tipologia de Frayling (1993) será acessada, compreendendo que os diferentes entendimentos sobre a PA se associam à “pesquisa através das artes”. A partir disso, e em diálogo com Chiantore (2020), são expostas três marcas da PA: a retroalimentação entre pesquisa acadêmica e prática artística, a intencionalidade de propor-se como pesquisa e a particularidade dos seus resultados. Por fim é proposta uma estrutura para projetos de PA a partir de Stévance e Lacasse (2018). O percurso trilhado visa facilitar a aproximação de pesquisadores interessados com a área, assim como evidenciar suas idiossincrasias e, em consequência, justificar e defender a sua existência.

Resumo em Inglês:

Abstract This paper investigates the field of Artistic Research (AR), which, although growing, faces difficulties in terms of its definitions. Based on some criticisms of the field, the aim of this research is to identify the marks that define AR as a distinct research territory. To this end, Frayling's (1993) typology will be used, understanding that the different understandings of AR are associated with the “research through the arts”. Based on this, and in dialogue with Chiantore (2020), three hallmarks of AR are exposed: the feedback between academic research and artistic practice, the intentionality of proposing itself as research and the particularity of its results. Finally, a structure for AR projects is proposed based on Stévance and Lacasse (2018). The path taken aims to facilitate the approach of interested researchers to the area, as well as highlighting its idiosyncrasies and, as a result, justifying and defending its existence.

Resumo em Português:

Resumo Este artigo consiste em uma investigação sobre o instrumento vocal na obra do compositor alemão Helmut Lachenmann (1935). Para tanto, analisaremos os principais aspectos de seu pensamento composicional em dois pontos: primeiramente, investigando a própria noção de instrumento na poética do compositor, buscando compreender a articulação entre pensamento e prática composicional por intermédio dos conceitos que se desdobram de sua música concreta instrumental. Posteriormente, observando a relação que se estabelece entre voz e elementos textuais no conjunto de sua obra, analisaremos algumas das estratégias composicionais que Lachenmann dispõe ao texto de Álvaro de Campos, Todas as cartas de amor são ridículas, em sua peça, Got Lost (2008), para piano e soprano, investigando os aspectos discursivos que se realizam a partir da construção do instrumento em questão.

Resumo em Inglês:

Abstract This article consists of an investigation into the vocal instrument in the work of German composer Helmut Lachenmann (1935). To this end, we will analyze the main aspects of his compositional thought at two points: firstly, investigating the very notion of instrument in the composer's poetics, seeking to understand the articulation between thought and compositional practice through the concepts that unfold from his concrete instrumental music; subsequently, observing the relationship established between voice and textual elements in his work as a whole, we will analyze some of the compositional strategies that Lachenmann uses in Álvaro de Campos's text, Todas as cartas de amor são ridículas, in his piece Got Lost (2008 ), for piano and soprano, investigating the discursive aspects that emerge from the construction of the instrument in question.

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Resumo Toma-se uma proposição sobre o que Mário de Andrade chamou de técnica de arte para refletir sobre o intérprete musical. A técnica de arte divide-se em três partes: o artesanato, que equiparamos à mestria instrumental, a virtuosidade, equiparada ao conhecimento das escolas e estilos de interpretação, e a técnica individual. Para Andrade, existem problemas no trabalho do artista que só podem ser combatidos pela aquisição de uma consciência artística que seria decorrente do estudo da estética (filosofia da arte). Esse estudo, contudo, adquire contornos particulares na formação de um artista, e visa fomentar a intuição e desenvolver um senso moral na relação com a arte e com o material. Em conclusão, argumenta-se que, se a técnica individual e da consciência de artista não podem ser ensinadas, elas podem ser aprendidas por meio de uma construção própria do artista, para o que o ambiente universitário é postulado como ambiente propício.

Resumo em Inglês:

Abstract We take a proposition regarding what Mario de Andrade calls the technique of art to reflect upon the musical interpreter. The technique of art is divided in three parts: the artisanship or craft, hereby compared to instrumental mastery, virtuosity, compared to the knowledge of schools and styles of performance, and individual technique. According to Andrade, there are certain problems in the artist’s work that can only be addressed by the acquisition of an artistic conscience, which would be the consequence of the study of aesthetics (philosophy of art). This study, however, assumes specific contours in the education of an artist, aiming at nourishing intuition and developing a moral conscience in dealing with art and its media. In wrapping up, it is argued that albeit individual technique and artistic conscience cannot be taught, they can be learned by means of their very construction by the artist himself, in the interest of what higher education is postulated as a favorable environment.

Resumo em Português:

Resumo O objetivo deste artigo é analisar as contribuições de Ruggiero Ricci no âmbito da técnica violinística de mão esquerda. São apresentados elementos que buscam fundamentar sua visão acerca do papel da percepção auditiva no desenvolvimento técnico e da relação entre a sustentação do violino e expedientes técnicos basilares. Os aportes de Ricci são comparados aos de outros pedagogos do violino, especialmente Carl Flesch e Ivan Galamian, os mais influentes autores nessa área no século 20. A relação entre a aquisição da técnica de mão esquerda no sentido estrito da atuação motora/postural e o desenvolvimento da capacidade auditiva de diferenciação de alturas, relação que possui lugar privilegiado nas proposições de Ricci, assim como outros elementos estruturantes da sua perspectiva acerca da técnica da mão-esquerda - especialmente a abordagem cordal e o uso da técnica de glissando - são discutidos a partir de postulados da psicologia histórico-cultural.

Resumo em Inglês:

Abstract The purpose of this article is to analyze Ruggiero Ricci's contributions on left-hand violin technique. Elements to substantiate his view on the role of aural perception in technical development and on the relationship between the way of holding the violin and basic technical expedients are presented. Ricci's contributions are compared to those of other violin pedagogues, especially Carl Flesch and Ivan Galamian, the most influential authors in this area in the 20th century. The relationship between acquisition of left-hand technique in the strict sense of motor/postural performance and the development of auditory ability to differentiate pitches, a relationship that holds a privileged place in Ricci's propositions, as well as other structuring elements of his perspective on left-hand technique - especially the chordal approach and the use of the glissando technique - are discussed based on postulates of cultural-historical psychology.

Resumo em Português:

Resumo Este artigo propõe uma primeira abordagem sobre as possibilidades de adaptação de elementos matemáticos derivados do xadrez para a composição musical a partir da análise da obra Chess Studies for String Quartet, escrita em 2020 pelo 1º autor deste artigo. A estrutura dos seus quatro movimentos surge da sobreposição da geometria derivada de uma sequência de movimentos para a execução do xeque-mate do Bispo e do Cavalo num quadrado mágico do tabuleiro 8x8, neste caso, o quadrado mágico de Al-Zarquali (século XI). A análise aprofunda a evolução do material musical utilizado, mostrando a tendência para dar origem a simetrias de alturas e fragmentos temporais entre os diferentes movimentos da composição. Estas simetrias dão origem a analogias com o conceito de quiralidade, característico da geometria do xadrez. Estruturas que apresentam quiralidade surgem na obra tanto no espaço sonoro como no espaço temporal.

Resumo em Inglês:

Abstract This article proposes a first approach to the possibilities of adapting mathematical elements derived from chess to musical composition based on the analysis of the composition process of the work Chess Studies for String Quartet, composed in 2020 by the 1st author of this paper. The structure of its four movements arises from the superimposition of the geometry derived from a sequence of moves for the execution of Bishop and Knight checkmate on a magic square of the 8x8 board, a magic square of Al-Zarquali (11th century). The analysis delves into the evolution of the musical material used, showing the tendency to give rise to symmetries of pitches and temporal fragments between the different movements of the composition. These symmetries give rise to analogies with the concept of chirality, characteristic of the geometry of chess. Structures that show chirality appear in the work both in sound and temporal space.

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Resumo Este trabalho propõe uma reflexão sobre a expansão das técnicas estendidas durante a história do trompete, empregando como fio condutor a interação entre o intérprete/compositor e intérprete/construtor de instrumento. Para isso foram coletados dados históricos dessas relações, realizados por meio de levantamento bibliográfico e de entrevistas com solistas nacionais e internacionais da atualidade com o objetivo de demostrar a trajetória do desenvolvimento das técnicas estendidas no trompete.

Resumo em Inglês:

Abstract This paper proposes a reflection on the expansion of endless techniques throughout the history of the trumpet, using as a guiding thread the interaction between the performer/composer and the performer/instrument builder. For this purpose, historical data on these relationships were collected, carried out through a bibliographic survey and interviews with current national and international soloists with the aim of demonstrating the trajectory of the development of the techniques involved in the trumpet.

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Resumo Neste artigo apresentamos as convergências temáticas existentes em duas obras representativas do compositor Cláudio Santoro: Canto de amor e paz e a Sinfonia 4 “sinfonia da paz”. As peças foram escritas durante o período em que o compositor esteve influenciado pela estética do realismo socialista, no início da década de 1950. As temáticas convergentes se referem a aspectos ideológicos e musicais. O uso da ideia da paz, presente nos títulos das peças e no programa da sinfonia, atua como conteúdo extramusical e está relacionado ao significado que o termo possuía nos meios socialistas ao qual Santoro pertencia. Por outro lado, as obras também apresentam grandes similaridades entre os conteúdos melódicos empregados na construção dos temas principais das duas peças. Concluímos que Santoro utilizou um mesmo tema, embora tenha sido tratado de maneira diferenciada em cada uma delas.

Resumo em Inglês:

Abstract In this article we present the thematic convergences in two representative works composed by Cláudio Santoro: Canto de amor e paz and “The Fourth Symphony “symphony of peace”. The pieces were written during the period in which the composer was influenced by the aesthetics of socialist realism, in the early 1950s. The converging themes refer to ideological and musical aspects. The use of the idea of peace, present in the titles of the both works and in the symphony’s program, acts as extra musical content and is related to the meaning that the term had in the socialist circles to which Santoro belonged. On the other hand, the works also present great similarities between the melodic content used in the construction of the main themes of the two pieces. We conclude that Santoro used the same theme, although they were treated differently in each of them.

Resumo em Inglês:

Abstract This article examines less conventional approaches in piano performance and their potential to expand the performer’s creative space through techniques such as arpeggiation, rhythmic asynchrony, body language communication, and experimental pedalling-all drawn from historical performance practices. Using Schubert’s piano works as a foundation, the study integrates insights from historical treatises, the author’s critical commentary, and practical experimentation, with key findings illustrated through video demonstrations. In exploring alternatives to conventional music performance paradigms, the article articulates a historically informed perspective that foregrounds creative agency and encourages performers to develop their creative voices through expanded interpretive possibilities.

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Resumo Este artigo apresenta resultados parciais de um projeto de pós-doutorado em Musicologia, realizado na Universidade de São Paulo, que investiga metodologias de pesquisa em música com ênfase na Pesquisa Artística. O estudo detalha a primeira fase do projeto, que consiste na identificação e análise preliminar de teses e dissertações de universidades públicas brasileiras, produzidas entre 2018 e 2022, e que incluem o termo “Pesquisa Artística” em seus títulos, resumos e/ou palavras-chave. Este texto não apenas lista os trabalhos identificados e suas informações bibliográficas fundamentais, mas também discute a revisão bibliográfica que fundamenta a pesquisa em curso. Dentre os principais resultados, observou-se um aumento no número de trabalhos voltados para a Pesquisa Artística nas universidades brasileiras, embora esse crescimento seja não linear e mais prevalente em dissertações de Mestrado. A análise revela ainda uma diversidade nos métodos e referenciais teóricos adotados, refletindo uma abordagem heterogênea neste campo emergente de estudo.

Resumo em Inglês:

Abstract This article presents preliminary findings from a postdoctoral project in Musicology conducted at the University of São Paulo, focusing on research methodologies in music with an emphasis on Artistic Research. The study details the initial phase of the project, which involves identifying and analyzing theses and dissertations from Brazilian public universities, produced between 2018 and 2022, that include the term “Artistic Research” in their titles, abstracts, or keywords. This text not only lists the identified works and their fundamental bibliographic information, but also discusses the bibliographic review that underpins the ongoing research. Among the main findings, there has been a noticeable increase in the number of works focused on Artistic Research in Brazilian universities, although this growth is uneven and more pronounced in master’s dissertations. The analysis further reveals a diversity in the methods and theoretical frameworks adopted, reflecting a varied and heterogeneous approach in this emerging field of study.

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Resumo O artigo propõe uma breve discussão sobre a técnica e performance violonística, com base na técnica performática desenvolvida pelo músico Nenéu Liberalquino, que possui uma forma não convencional de tocar violão. O artigo está em forma de ensaio, a partir de revisão bibliográfica e análise documental sobre o músico em destaque. O resultado propõe uma reflexão sobre a técnica tradicional e outras não tradicionais, como a desenvolvida por Nenéu Liberalquino, dentre outras, como forma de acessibilizar o ensino do instrumento a pessoas que não se adaptam bem à técnica convencional, visando a alta performance instrumental. Dessa forma, o artigo questiona a ênfase que se dá aos moldes tradicionais de ensino/performance, bem como enfatiza a importância de desenvolvermos possibilidades técnicas alternativas e métodos diferenciados para o ensino do instrumento musical, mais especificamente, do violão, para torná-lo mais acessível e contemplar a diversidade de corpos.

Resumo em Inglês:

Abstract The article proposes a brief discussion on guitar technique and performance, based on the performative technique developed by musician Nenéu Liberalquino, who has a non-conventional way of playing the guitar. The study is presented as an essay, drawing from a bibliographic review and document analysis on the highlighted musician. The results encourage reflection on traditional and non-traditional techniques, such as that developed by Nenéu Liberalquino, as a means to make guitar education more accessible to individuals who do not easily adapt to conventional techniques, aiming at high-level instrumental performance. Thus, the article questions the emphasis placed on traditional teaching and performance models while highlighting the importance of developing alternative technical possibilities and differentiated teaching methods for the guitar, making the instrument more accessible and inclusive of diverse bodies.

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Resumo Este artigo investiga o impacto das metáforas visuais e das imagens mentais na performance pianística, com ênfase em suas funções pedagógicas e expressivas. A pesquisa adota uma abordagem qualitativa, de natureza teórico-reflexiva, fundamentada na articulação entre pedagogia musical, cognição incorporada, neurociência e estética. Por meio de revisão bibliográfica e análise de relatos pedagógicos, examina-se como o uso de metáforas influencia a técnica, a expressividade e a construção interpretativa no ensino do piano. Os resultados indicam que essas metáforas atuam como mediadoras entre linguagem, gesto e imaginação, promovendo uma aprendizagem mais integrada e artística. Evidências sugerem que a utilização consciente de metáforas pode aprimorar a coordenação motora, a memorização, a expressividade emocional e a autonomia interpretativa. Conclui-se que o estímulo à imaginação, por meio de imagens e visualizações, constitui um recurso valioso na formação pianística e deve ser incorporado como parte essencial da prática e da didática musical.

Resumo em Inglês:

Abstract This article investigates how visual metaphors and mental imagery affect piano performance, emphasising their pedagogical and expressive roles. Adopting a qualitative, theoretical-reflective approach, it weaves together musical pedagogy, embodied cognition, neuroscience, and aesthetics. A literature review and analysis of pedagogical reports reveal how metaphors shape technique, expressivity, and interpretative construction in piano teaching. Findings show that these images mediate language, gesture, and imagination, fostering more integrated and artistic learning. Consciously employing them enhances motor coordination, memorisation, emotional expressivity, and interpretative autonomy. Stimulating imagination through visualisation is therefore a valuable resource that should be embedded in pianistic practice and pedagogy.

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Resumo Este artigo analisa a obra Escritos no pó, para violão e sons eletrônicos, com o objetivo de refletir sobre aspectos composicionais e performáticos da música eletroacústica mista em tempo diferido -aquela que envolve a interação entre instrumentos acústicos ao vivo e uma parte eletroacústica pré-gravada (tape). A partir da análise dessa obra, discute-se como procedimentos e estratégias da música de câmara tradicional permanecem relevantes nesse contexto, revelando continuidades entre práticas composicionais acústicas e eletroacústicas. Argumenta-se que a fixidez do suporte tecnológico ou o trabalho do compositor diretamente com o som não anulam a expressividade da obra, mas caracteriza uma fusão entre performance e composição. A experiência composicional descrita aqui evidencia que a música mista em tempo diferido pode ser abordada como desdobramento, e não ruptura, da tradição musical, propondo-se como território fértil para a renovação do pensamento criativo por meio da mediação técnica.

Resumo em Inglês:

Abstract This article analyzes the piece Escritos no pó (Written in the Dust), for guitar and electronic sounds, with the aim of reflecting on compositional and performative aspects of fixed-media electroacoustic mixed music-that which involves the interaction between live acoustic instruments and a pre-recorded electroacoustic part (tape). Through the analysis of this work, it discusses how procedures and strategies from traditional chamber music remain relevant in this context, revealing continuities between acoustic and electroacoustic compositional practices. It is argued that the fixity of the technological medium or the composer’s direct manipulation of sound does not nullify the expressivity of the work, but rather characterizes a fusion between performance and composition. The compositional experience described here demonstrates that fixed-media mixed music can be approached not as a rupture, but as an unfolding of musical tradition, presenting itself as fertile ground for the renewal of creative thinking through technical mediation.

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Resumo Esta pesquisa aborda os cantos xamânicos tradicionais da etnia Huni Kuin/Kaxinawá (Acre) entoados nas cerimônias de ayahuasca (nixi pae) e presenciados pelo autor em espaços de vivências multiétnicas. Busca-se compreender a organização, as funções e características de tais cantos, denominados huni meka, nesses rituais indígenas. Concomitantemente, investiga-se de que forma a cosmologia e a cosmogonia desse povo originário podem ser representadas nessas expressões sonoras, conectando universos sonoros e imagéticos, visíveis e invisíveis, indígenas e brancos (nawa). Como metodologia da pesquisa, foram realizados levantamentos bibliográficos, pesquisas em plataformas virtuais de streaming, diálogos com interlocutores e etnografia em campo. Como conclusões, é possível afirmar que os huni meka possuem relações intrínsecas e indissociáveis da cosmologia Huni Kuin, e são distribuídos em três momentos da cerimônia: pae txanima, de abertura do rito para chamar a “força”; dautibuya, para trazer a “miração”; kayatibu, para diminuir a “força” e encerrar a cerimônia.

Resumo em Inglês:

Abstract This research addresses the traditional shamanic songs of the Huni Kuin/Cashinaua ethnic group (Acre) sung during ayahuasca ceremonies (nixi pae) and witnessed by the author in multi-ethnic living spaces. The aim is to understand the organization, functions and characteristics of these chants, called huni meka, in these indigenous rituals. Concomitantly, it investigates how the cosmology and cosmogony of this originary people can be represented in these sound expressions, connecting sonic and imagistic, visible and invisible, indigenous and white (nawa) universes. Its methodology included bibliographical surveys, research on virtual streaming platforms, dialogues with interlocutors and ethnography in the field. In conclusion, it is possible to state that the huni meka have intrinsic and inseparable relationships with Huni Kuin cosmology and are distributed in three moments of the ceremony: pae txanima, to open the rite and call forth "force"; dautibuya, to bring forth visions; kayatibu, to diminish "force" and close the ceremony.

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Resumo O presente artigo retoma a crítica de Tinctoris às falsas concordâncias presentes em composições de Guillaume Faugues, Antoine Busnoys e Firminus Caron. Objetiva-se analisar criticamente um ponto de vista histórico sobre os intervalos que atualmente chamamos de aumentados e diminutos na polifonia vocal do século XV. Para tanto, revisa-se três publicações musicológicas que tratam diretamente da questão: Berger ([1987] 2004), Urquhart (1999) e Bent (2001). Notando que as regras de contraponto não tratam da exclusão de um intervalo em particular, mas da correta ordenação dos elementos musicais na trama polifônica, conclui-se que as falsas concordâncias participam da realização do ideal da harmonia, uma vez que são elementos de diversidade necessários à consecução da variedade de razões que sustenta a chamada composição encantadora, o contraponto florido.

Resumo em Inglês:

Abstract: This article revisits Tinctoris' criticism to the false concordances present in compositions by Guillaume Faugues, Antoine Busnoys and Firminus Caron. The aim is to critically analyze a historical point of view on the intervals that we currently call augmented and diminished in 15th century vocal polyphony. To this end, three musicological publications that directly address the issue are reviewed: Berger ([1987] 2004), Urquhart (1999) and Bent (2001). Observing that the rules of counterpoint do not deal with the exclusion of a particular interval, but with the correct ordering of the musical elements in the polyphonic texture, it is concluded that false concordances participate in the realization of the ideal of harmony, since they are necessary elements of diversity to achieving the variety of reasons that sustain the so-called enchanting composition, the florid counterpoint.

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Resumo A música era um elemento fundamental para o funcionamento das instituições monástico-conventuais. No caso do Mosteiro de São Bento da Avé-Maria do Porto, o maior e mais importante mosteiro feminino da cidade, na transição entre os séculos XVIII e XIX, uma notável quantidade de obras em estilo concertante foi encomendada e interpretada por diversas monjas nas mais diversas celebrações litúrgicas. Após o encerramento definitivo do mosteiro em 1892, o seu espólio musical foi enviado à Biblioteca Nacional de Portugal, em cuja Seção de Música, atualmente, se conserva. O estudo deste significativo corpus musical permitiu-nos identificar não só os manuscritos indubitavelmente oriundos do mosteiro e os nomes das monjas intérpretes, como também as principais influências musicais presentes no repertório do antigo mosteiro. O presente artigo indaga acerca dos principais compositores, influências musicais, mecenas e intérpretes no antigo cenóbio beneditino feminino portuense.

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Abstract Music was a core element for the functioning of monastic-conventual institutions. In the case of the Monastery of São Bento da Avé-Maria in Porto, the largest and most important female monastery in the city, during the transition between the 18th and 19th centuries, a notable amount of music in concertato style was commissioned and performed by various nuns during the most important liturgical celebrations. After the monastery's definitive closure in 1892, its musical collection was sent to the National Library of Portugal, where it is currently preserved in the Music Section. The study of this significant musical corpus has allowed us to identify not only the manuscripts undoubtedly originating from the monastery and the names of the nun performers but also the main musical influences present in the repertoire of the former monastery. This article explores the main composers, musical influences, maecenas, and performers within the former Benedictine female monastery in Porto.

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Resumo A falsa relação é definida por teóricos como um par incongruente de notas musicais que ocorre em vozes diferentes, implicando em uma relação de alteração cromática. Entretanto, é a falta de relação entre essas notas que dá origem ao seu nome. Os teóricos se referem alternadamente a este dispositivo de composição como cross relations (simultâneas/não simultâneas), relações não-harmônicas e “English clash”. Este artigo aborda as inconsistências terminológicas e a relativa imprecisão de definição desse dispositivo composicional. Embora o termo apresente uma definição teórica hoje, ele tem um significado retórico/diegético dentro da tradição da musica poetica (parrhesia; licentia), de acordo com documentação do Cinquecento e Seicento. Ao identificar diferenças fundamentais entre variantes da falsa relação cromática que estes termos denotam coletivamente em diálogo com modulações “normais”, este artigo faz uma distinção conceitual entre vários modos desse dispositivo decorrentes de uma nova terminologia analítica: síncrona/assíncrona, direta/indireta, etc. O artigo conclui com análises explanatórias de Ne irascaris domine, de William Byrd, e The Silver Swanne, de Orlando Gibbons.

Resumo em Inglês:

Abstract Theorists define false relation as an incongruent pair of pitches occurring in different voices that imply a relationship of chromatic alteration. It is the lack of relationship between these pitches, however, that affords its name. Theorists have alternatively referred to this compositional device as cross relations (simultaneous/non-simultaneous), non-harmonic relationships, and “English clash”. This article addresses the terminological inconsistencies and relative vagueness of definition regarding this compositional device. Although theoretically rendered today, the term has a rhetorical/diegetic significance within the musica poetica tradition (parrhesia; licentia), according to documentation from the Cinquecento and Seicento. In identifying fundamental differences between variants of the chromatic false relation that these terms collectively denote in dialogue with regular modulations, this article makes a conceptual distinction between modes of false relations stemming from novel analytical terminology: synchronous/asynchronous, direct/ indirect, etc. The article concludes with explanatory analyses of William Byrd’s Ne irascaris domine and Orlando Gibbons’s The Silver Swanne.

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Resumo Este artigo traça conexões e linhas de continuidade entre a história do chamado “associativismo negro popular”, a história das escolas de samba e a história da música popular no Rio de Janeiro, utilizando como fontes centrais entrevistas de musicistas negros oriundas do acervo do Museu da Imagem e do Som do Rio de Janeiro e tendo como recorte temporal aproximado o período entre 1900 e 1930. O foco não está nas minúcias desse período, mas nos elementos político-culturais duradouros e na dinâmica de interação social das comunidades negras, que conectam em um mesmo processo esses três ramos da história brasileira. O artigo põe em evidência uma série de valores culturais, sociais e políticos que constituem a história musical dessas comunidades como uma história de “militância” e desafiam os cenários, a cronologia e os problemas usuais do campo da “história da música popular brasileira”.

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Abstract This article traces connections and lines of continuity between the history of the so-called “popular black associativism”, the history of samba schools and the history of popular music in Rio de Janeiro, using interviews with black musicians from the collection of the Museum of Image and Sound of Rio de Janeiro as central sources and taking as an approximate time frame the period between 1900 and 1930. The focus is not on the minutiae of this period, but on the lasting political-cultural elements and the dynamics of social interaction of the black communities that connect these three branches of Brazilian history in the same process. The paper highlights a series of cultural, social and political values that constitute the musical history of these communities as a history of “activism” and challenge the usual scenarios, chronology and problems in the field of “history of Brazilian popular music”.

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Resumo Na década de 1960, o rock esteve profundamente ligado à contracultura, permitindo que músicos explorassem novas formas sonoras e visuais em um ambiente aberto à experimentação. Nesse contexto, muitas bandas dialogaram com a pop art, tanto na Inglaterra quanto nos Estados Unidos. Este artigo analisa essas interações a partir das obras dos Beatles e de David Bowie, artistas que emergiram do underground e se conectaram com a estética pop em diferentes momentos. Destacamos a singularidade da pop art inglesa nas colagens presentes na produção dos Beatles entre 1967 e 1969, e o minimalismo da vertente norte-americana nas obras de Bowie durante a década de 1970. Haja vista que essas vertentes são comumente entendidas como sendo unívocas, buscamos contribuir para um debate mais amplo a respeito dos aspectos de produção da arte e do rock dos anos 1960-70, ressaltando as possibilidades inauguradas a partir do diálogo entres tais mídias.

Resumo em Inglês:

Abstract In the 1960s, rock was deeply connected to counterculture, allowing musicians to explore new sonic and visual forms in an environment open to experimentation. In this context, many bands engaged in dialogue with pop art, both in England and the United States. This article examines these interactions through the works of the Beatles and David Bowie, artists who emerged from the underground and connected with pop aesthetics at different moments. We highlight the uniqueness of British pop art in the collages found in the Beatles’ productions between 1967 and 1969, and the minimalism of the American strand in Bowie's work during the 1970s. Contrary to the often homogeneous view attributed to pop art, we aim to contribute to a broader debate on the relationship between art and rock in the 1960s and 70s, emphasizing the creative possibilities that arose from the dialogue between these different media.

Resumo em Português:

Resumo Este trabalho teve como objetivo investigar os processos de significação potencialmente suscitados pela canção argentina Alfonsina y el mar em três momentos: 1969, no álbum Mujeres argentinas, de Mercedes Sosa; 1982, no álbum Corpo e Alma, de Simone e 2010, no DVD Cantos e contos, de Zizi Possi. Realizou-se um processo de revisão bibliográfica tratando da ascensão de um tipo de música popular de raízes folclóricas na Argentina, dando subsídios à análise da canção de Ariel Ramírez e Félix Luna. Em seguida, foram analisados os arranjos brasileiros cotejando questões musicais e de performance com os contextos político e cultural do país. Concluiu-se que a versão de Simone pode ser lida como uma forma de vínculo do campo da MPB com movimentos latino-americanos da canção de protesto, diferentemente do arranjo interpretado por Zizi Possi, fruto de um momento histórico em que a própria MPB não se mostrava mais explicitamente engajada politicamente.

Resumo em Inglês:

Abstract This study aimed to investigate the processes of signification potentially evoked by the Argentine song Alfonsina y el mar in three moments: 1969, in the album Mujeres argentinas by Mercedes Sosa; 1982, in the album Corpo e Alma by Simone; and 2010, in the DVD Cantos e contos by Zizi Possi. A bibliographic review was conducted, addressing the rise of a type of popular music with folkloric roots in Argentina, providing a foundation for the analysis of the song by Ariel Ramírez and Félix Luna. Subsequently, the Brazilian arrangements were analyzed, comparing musical and performance aspects with the political and cultural contexts of the country. It was concluded that Simone's version can be interpreted as a form of connection between MPB scene and Latin American protest song movements, unlike the arrangement performed by Zizi Possi, which emerged from a historical moment when MPB itself was no longer overtly politically engaged.

Resumo em Português:

Resumo Este texto tem como objetivo demonstrar o trânsito de Damiano Cozzella entre os estratos de alta e baixa cultura e como isto se transparece em suas composições. Para alcançar tal objetivo, apresentaremos uma visão parcial sobre sua trajetória musical, seguida da análise de duas obras e um esboço para demonstrar como Cozzella assumiu o fazer composicional como um ato crítico. Fundamentados no conceito de “hibridação” proposto por Néstor García Canclini (2019), chegamos à conclusão de que Cozzella foi um músico que produziu hibridação entre estratos culturais por meio de sua prática criativa e a partir de uma perspectiva êmica.

Resumo em Inglês:

Abstract This text aims to demonstrate Damiano Cozzella’s transit between high and low culture strata and how it is reflected in his compositions. To achieve this goal, we will present a partial view of his musical career, followed by the analysis of two works and a sketch to demonstrate how Cozzella assumed compositional practice as a critical act. Based on the concept of “hybridization” proposed by Néstor García Canclini (2019), we conclude that Cozzella was a musician who produced hybridization between cultural strata through his creative practice and from an emic perspective.

Resumo em Português:

Resumo Entre as diversas consequências socioculturais resultantes do estabelecimento de uma diáspora haitiana no Brasil está uma rica e diversificada produção musical. Contexto musical marginalizado e ainda pouco estudado, a produção e os fazeres musicais de haitianos no país tem se revelado um fenômeno cosmopolita e variado, além de intimamente relacionado com a experiência da migração e da adaptação em um novo ambiente. Colocando em diálogo a literatura antropológica e etnomusicológica sobre contextos diaspóricos haitianos e reflexões sobre diáspora e migração do teórico cultural jamaicano Stuart Hall, este artigo oferece uma visão panorâmica e uma discussão inicial de tal contexto musical, cujo desenvolvimento é negativamente afetado pela intersecção de racismo e xenofobia. Através desse enquadramento, reflito sobre como a produção musical de meus interlocutores traz à tona questões e conceitos relativos à mobilidade, identidade cultural, raça/racismo e desigualdade de gênero.

Resumo em Inglês:

Abstract Amongst the myriad sociocultural consequences of the development of a Haitian diaspora in Brazil is a rich and diverse musical production. A marginalized and as of yet little-studied musical context, the musical activities and production of Haitians in the country has revealed itself to be a cosmopolitan and varied phenomenon, besides intimately related to the experience of migration and adaptation to a new environment. Establishing a dialogue with the anthropological and ethnomusicological literature about diasporic Haitian contexts and reflections about diaspora and migration by the Jamaican cultural theorist Stuart Hall, this paper offers a panoramic view and initial discussion of such musical context, whose development is negatively affected by the intersection of racism and xenophobia. Through such framework, I reflect on how the musical production of my interlocutors brings to the fore issues and concepts linked to mobility, cultural identity, race/racism, and gender inequality.

Resumo em Português:

Resumo Este estudo mostra a indissociabilidade entre o ruído e as condições materiais de sua produção. Primeiramente, sugere-se que a percepção do ruído é coetânea à aquisição das capacidades da linguagem e da música. A seguir, discute-se o impacto do cenário industrial moderno na paisagem sonora e sua influência na percepção dos ruídos. Após isso, indica-se que questões de temperamento e afinação musical, que surgem para evitar sons indesejados - ruídos -, são indissociáveis da materialidade subjacente ao contexto acústico. Assim que condições materiais e perceptuais permitiram a integração do ruído na música ou a sua utilização em artes sonoras não-musicais, o ruído passa a adquirir uma significação distinta daquela subdeterminada pela linguagem e pela música. Evidencia-se assim a diversidade de modos em que o ruído foi considerado, razão pela qual torna-se imperioso examiná-lo à luz de condições materiais e perceptivas.

Resumo em Inglês:

Abstract: This paper explores the inseparability between noise and its material conditions. First, I argue that the perception of noise develops alongside the acquisition of language and music capacities. Next, I examine the impact of modern industrial effects on the soundscape and their influence on the perception of noises. Afterwards, I propose that issues of temperament and musical tuning are inherently tied to acoustic materiality. In this context, noise is primarily regarded as unwanted sound. From the moment material and perceptual conditions allow the integration of noise into music or its incorporation in sound arts, one realizes that noise may reveal a distinct meaning, apart from its traditional subordination to language and music. Considering the plurality of perspectives on noise, I conclude by suggesting that its analysis must necessarily account for both its material and perceptual conditions.

Resumo em Português:

Resumo: As plataformas sociais online amplificaram a viralização de conteúdos, incluindo músicas que rapidamente alcançam milhões de usuários, tornando a viralização musical um tema de pesquisa crescente em áreas como computação, música, comunicação e marketing. Diante disso, este artigo apresenta uma revisão da literatura sobre viralidade musical em mídias sociais, com o objetivo de compreender e sintetizar as pesquisas existentes sobre o tema a partir de uma perspectiva computacional. Apresentamos uma visão geral das principais dimensões, incluindo evolução temporal, perspectivas sobre viralidade, relação com o sucesso musical, fontes de dados, abordagens e métodos. Os resultados destacam o papel central de plataformas como YouTube e TikTok, a relação entre viralidade e sucesso, e o uso de abordagens tanto quantitativas quanto qualitativas. De modo geral, este trabalho pode servir como ponto de partida para investigações sobre a viralidade musical e suas dinâmicas complexas, visto que se trata de um tema emergente com conexões relevantes com áreas como computação social, recuperação de informação musical e marketing.

Resumo em Inglês:

Abstract: Online social platforms have amplified content virality, including songs that quickly reach millions of users, making music virality a growing research topic in fields such as computing, music, communication, and marketing. Therefore, this article presents a literature review on music virality on social media to understand and summarize existing research on such a topic from a computing perspective. We provide an overview of key dimensions, including temporal evolution, perspectives on virality, links to musical success, data sources, approaches, and methods. Results highlight the central role of platforms such as YouTube and TikTok, the relationship between virality and success, and the use of both quantitative and qualitative approaches. Overall, this work can be a starting point for research focusing on music virality and its complex dynamics, as it emerges as a relevant topic with connections to the areas of social computing, music information retrieval, and marketing.

Resumo em Português:

Resumo Este artigo explora o coletivo BatuCantada, primeiro bloco de carnaval e grupo de percussão formado exclusivamente por mulheres em Pelotas (RS), destacando sua atuação como espaço de resistência e empoderamento feminino. O grupo promove a inclusão de mulheres na percussão e valoriza a cultura afro-brasileira, especialmente por meio do tambor de Sopapo, símbolo de resistência do povo negro no sul do Rio Grande do Sul (Batista, 2021; Maia, 2008). Ao abordar as dinâmicas de patriarcado musical, que marginalizam e objetificam as mulheres na música (Camargo, 2020; Green, 2001), o artigo analisa como o BatuCantada contribui para a luta pela equidade de gênero, promovendo o reconhecimento das mulheres na percussão. O coletivo também fortalece o empoderamento feminino e da comunidade LGBTQIAPN+ por meio de oficinas, eventos e parcerias com escolas de samba, ampliando o espaço de atuação e visibilidade para mulheres no contexto musical e cultural.

Resumo em Inglês:

Abstract This article explores the BatuCantada collective, the first carnival bloco and percussion group exclusively formed by women in Pelotas (RS), highlighting its role as a space of resistance and female empowerment. The group promotes the inclusion of women in percussion and values Afro-Brazilian culture, particularly through the tambor de Sopapo, a symbol of resistance of the Black community in southern Rio Grande do Sul (Batista, 2021; Maia, 2008). By addressing the dynamics of musical patriarchy, which marginalizes and objectifies women in music (Camargo, 2020; Green, 2001), the article examines how BatuCantada contributes to the fight for gender equity, advocating for the recognition of women in percussion. The collective also strengthens female empowerment and that of the LGBTQIAPN+ community through workshops, events, and partnerships with samba schools, expanding opportunities and visibility for women in the musical and cultural contexts.

Resumo em Português:

Resumo O presente artigo trata de um bloco carnavalesco carioca chamado Comuna Que Pariu! Organizado pelo Partido Comunista Brasileiro, o bloco teve, entre 2013 e 2020 (período abordado no texto), duas mulheres negras como puxadoras. Propondo uma discussão sobre as representações femininas negras no carnaval e o papel das mulheres nas escolas de samba (principal referência do bloco), apontamos para a importância de um bloco como esse ter essas duas cantoras como suas principais vozes.

Resumo em Inglês:

Abstract This article deals with a Rio carnival group called Comuna Que Pariu! Organized by the Brazilian Communist Party, the block had, between 2013 and 2020 (the period covered in the text), two black women as handlers. Proposing a discussion about black female representations in carnival and the role of women in samba schools (the block's main reference) we point to the importance of a block like this having these two singers as its main ones.

Resumo em Português:

Resumo Este artigo apresenta a escuta como parte de uma metodologia feminista e decolonial, que também discute a produção e a criação sonora, e apresenta os diálogos e os diários criativos como ferramentas de processo. A partir de bell hooks e Suely Rolnik, entre outras, a ideia de escuta emerge como algo sensível e relacional, incentivando a invenção de mundos e a pulsão vital.

Resumo em Inglês:

Abstract This article presents listening as part of a feminist and decolonial methodology, which also discusses sound production and creation, and presents dialogues and creative diaries as process tools. From bell hooks and Suely Rolnik, among others, the idea of listening emerges as something sensible and relational, encouraging the invention of worlds and the vital drive.

Resumo em Português:

Resumo O Movimento das Mulheres Sambistas (RJ) e o Coletivo Mulheres no Samba (SE) são duas experiências gregárias que, em diferentes lugares do país, se dedicam ao desenvolvimento e promoção das potencialidades femininas no samba. A partir da análise das trajetórias e dos modos de vivência coletiva das organizações, o artigo investiga como incidem no campo das políticas culturais buscando melhores possibilidades de atuação profissional. Considerando a perspectiva feminista negra interseccional, ressaltamos como raça, classe, gênero, idade e pertença territorial influenciam as possibilidades de aglutinação e as posições sociais das sambistas no mundo do trabalho. Com ênfase ao estudo do quadriênio 2020 e 2024, percebemos que a coletividade favorece que as mulheres do samba se reconheçam como trabalhadoras da música e como agentes políticas no campo da cultura.

Resumo em Inglês:

Abstract Movimento das Mulheres Sambistas (RJ) and Coletivo Mulheres no Samba (SE) are two collective experiences that, in different regions of Brazil, are dedicated to developing and promoting the feminine potential within samba. Through the analysis of the trajectories and collective ways of living within these organizations, the article investigates how they influence the field of cultural policies, seeking better professional opportunities. From an intersectional Black feminist perspective, we emphasize how race, class, gender, age and territorial belonging impact the possibilities of solidarity and the social positions of women in samba within the labor market. Focusing on the 2020-2024 period, we observe that collective engagement helps women in samba recognize themselves as music workers and as political agents in the cultural field.

Resumo em Português:

Resumo Este trabalho é uma análise da vida e atuação de Leonor Tolentina de Castro, ex-aluna e primeira professora do Conservatório de Música do Rio de Janeiro (1866-1890). O objetivo principal foi visibilizar a sua trajetória profissional e os objetivos específicos foram analisar as contribuições de sua atuação para a formação profissional feminina e compreender aspectos da profissionalização docente em música no Rio de Janeiro oitocentista. Foi construída uma narrativa histórico documental, utilizando-se como fontes periódicos da Hemeroteca Digital da Biblioteca Nacional, registros do site FamilySearch, documentos institucionais do Museu D. João VI e uma fotografia localizada na Biblioteca Alberto Nepomuceno, ambos da UFRJ. Como referenciais, foi utilizada uma abordagem microhistórica, os conceitos de interseccionalidade e de profissionalização docente. Conclui-se que Leonor de Castro, mulher de ascendência negra, teve uma atuação profissional potente, obtendo êxito pessoal e profissional, apesar dos desafios enfrentados, oportunizando conhecimento musical profissionalizante a centenas de mulheres.

Resumo em Inglês:

Abstract This work is an analysis of life and activity of Leonor de Castro, student and first teacher at the Rio de Janeiro Music Conservatory (1866-1890). The main objective was to make her professional trajectory visible, and the specific objectives were to analyze the contributions of her work to female professional training and understand aspects of the professionalization of teaching music in nineteenth-century Rio de Janeiro. The work follows a historical-documentary approach, including as sources newspapers found in Digital Newspaper Archive of the National Library, the FamilySearch website, institutional documents and a photograph located in the Alberto Nepomuceno Library, both at UFRJ. Using a microhistorical approach, the concepts of intersectionality and teaching professionalization as references, it was concluded that Leonor de Castro, a woman of black descent, had a powerful professional performance, achieving personal and professional success, despite the challenges, providing professional musical knowledge to hundreds of women.

Resumo em Português:

Resumo O presente artigo busca investigar o uso da música composta e/ou interpretada por mulheres negras brasileiras como uma ferramenta terapêutica na prática clínica racializada. Realizou-se uma análise qualitativa das composições musicais Acalanto, de Luedji Luna, e Povoada, de Sued Nunes, investigando elementos essenciais para a saúde mental do povo negro, como a construção da identidade negra, pertencimento, aquilombamento e ancestralidade presentes nas composições, além de reflexões sobre como esses exemplos podem ser utilizados em intervenções clínicas. Foram utilizadas referências interdisciplinares a fim de aprofundar as discussões sobre a intersecção entre música, saúde mental e mulheres negras. Os resultados destacaram que as músicas analisadas permitem questionar papéis históricos atribuídos a mulheres negras, atuando como meio de expressão, resistência e ressignificação de trajetórias de vida. Estudos futuros podem se concentrar em análises de outras músicas que dialoguem sobre as diversas opressões sociais que afetam as mulheres.

Resumo em Inglês:

Abstract This article aims to investigate the use of music composed and/or performed by black Brazilian women as a therapeutic tool in racialized clinical practice. A qualitative analysis of the musical compositions Acalanto, by Luedji Luna, and Povoada, by Sued Nunes, was carried out, investigating essential elements for the mental health of black people, such as the construction of black identity, belonging, quilombola and ancestry present in the compositions, in addition to reflections on how these examples can be used in clinical interventions. Interdisciplinary references were used in order to deepen discussions on the intersection between music, mental health and black women. The results highlighted that the analyzed songs allow us to question historical roles attributed to black women, acting as a means of expression, resistance and resignification of life trajectories. Future studies can focus on analyzing other songs that discuss the various social oppressions that affect women.

Resumo em Português:

Resumo Um documento é o resultado de uma montagem, consciente ou inconsciente, da história, da época e da sociedade que o produziram, sendo manipulado ainda que pelo silêncio. É o caso da canção Uma saudade que ficou, de Dinorá de Carvalho, cuja fonte documental musical permaneceu desaparecida por muitos anos. Os objetivos principais deste artigo são: (i) relatar o processo de localização das fontes desta canção; (ii) editar a partitura em sua versão para voz e piano; (iii) torná-la acessível para a comunidade acadêmica e artística. Em relação à metodologia, os contextos de criação e estreia da canção foram verificados a partir da Análise Documental e será empreendida a edição musical crítica. Como resultado, buscou-se auxiliar a tarefa de superação do silêncio que atuou como mecanismo de manipulação da memória coletiva e que contribuiu para o silenciamento da canção Uma saudade que ficou, de Dinorá de Carvalho.

Resumo em Inglês:

Abstract A document is the result of a conscious or unconscious montage of history, era, and society that produced it, and it is manipulated even by silence. This is the case of the song Uma saudade que ficou, by Dinorá de Carvalho, whose musical sources remained missing for many years. The main objectives of this article are: (i) to report the process of locating the sources of this song; (ii) to edit the score in its version for voice and piano; (iii) to make it accessible to the academic and artistic community. Regarding methodology, the contexts of creation and premiere of the song were verified through Documentary Analysis and critical musical editing will be undertaken. As result, we sought to assist in the task of overcoming the silence that acted as a mechanism for manipulating collective memory and that contributed to silencing the song Uma saudade que ficou, by Dinorá de Carvalho.

Resumo em Português:

Resumo No campo da estética musical, constata-se a presença de notáveis autoras mulheres, negligenciadas por histórias da filosofia e da música prioritariamente masculinas. Dentre elas, encontra-se a filósofa estadunidense Susanne K. Langer, que aponta o símbolo, em seus diversos tipos, como o modo de significação propriamente humano. Concentrando-se na estética da autora, este artigo examinará especificamente os símbolos apresentativos da música e da arte em geral. A fim de compreender de que modo e quais conteúdos tais símbolos são capazes de expressar, será necessário, inicialmente, identificar os pré-requisitos lógicos, segundo Langer, para toda a expressão. Num segundo momento, será analisada a expressão musical, seus particulares pré-requisitos lógicos e sua significação, pela qual pode se projetar o discursivamente inexprimível. Por fim, será verificado de que maneira Langer aplica sua conclusão sobre a música às demais modalidades artísticas em sua estética, que, por sua abrangência e acuidade, mereceria ser mais reconhecida.

Resumo em Inglês:

Abstract It is possible to identify, in the field of musical aesthetics, the presence of remarkable female authors, neglected by our predominantly masculine histories of philosophy and of music. Among those authors, we find Susanne K. Langer, who recognizes the symbol, in its different types, as the human mode of expression par excellence. Focusing on Langer’s aesthetics, this article will examine the presentational symbols of music and of art in general. In order to understand how and what these symbols are capable of expressing, it will be first necessary to identify the logical preconditions to all kinds of expression. Secondly, it will be analyzed musical expression, its particular logical preconditions and its signification, through which the discursively inexpressible can be projected. Finally, it will be examined how Langer applies her conclusion about music to the other arts in her aesthetics, which due to its scope and acuity, should be more diffused.

Resumo em Português:

Resumo Este artigo investiga a condição das cantoras negras e indígenas na economia da música baiana, explorando dinâmicas laborais que caracterizam suas trajetórias. O objetivo é compreender como o racismo e o sexismo afetam a carreira dessas artistas, destacando a interseccionalidade entre gênero, raça e classe social. A pesquisa utilizou um questionário online com 59 perguntas, distribuídas em seis dimensões analíticas: perfil da respondente, carreira musical, perfil ocupacional, percepções de raça e gênero, fluxos migracionais e perfil socioeconômico. Foram entrevistadas 149 cantoras negras e indígenas do estado. Os resultados revelam que a maioria das cantoras possui longa experiência na música, mas enfrenta dificuldades financeiras e falta de suporte profissional. As principais barreiras identificadas incluem a falta de recursos financeiros, de tempo para investir na carreira e de acesso a redes de apoio. A pesquisa conclui que estas cantoras enfrentam desafios no mercado musical baiano, necessitando de políticas públicas mais efetivas.

Resumo em Inglês:

Abstract This article investigates the condition of Black and Indigenous female singers in the Bahian music industry, exploring the labor dynamics that characterize their careers. This study aims to understand how racism and sexism influence the careers of these artists, highlighting the intersectionality of gender, race, and social class. The research utilized a web survey with 59 questions distributed across six analytical dimensions: respondent profile, musical career, occupational profile, perceptions of race and gender, migratory flows, and socioeconomic profile. A total of 149 Black and Indigenous singers from the state were interviewed. The results reveal that most singers have extensive experience in music but face financial difficulties and a lack of professional support. The main barriers identified include a lack of financial resources, time to invest in their careers, and access to support networks. The research concludes that these singers face challenges in the Bahian music market, highlighting the need for more effective public policies.

Resumo em Português:

Resumo Este artigo é resultado de uma pesquisa que realizou um levantamento de obras para percussão orquestral solo de mulheres latino-americanas e caribenhas. Além de inventariar, localizar e catalogar as obras, refletimos sobre a invisibilidade e ausência de compositoras mulheres no repertório canônico da música de concerto. Almejamos facilitar o acesso às obras das compositoras latino-americanas e caribenhas e contribuir para a superação da desigualdade de gênero na área de Música. A pesquisa é qualitativa e sua metodologia é exploratória, recorrendo a diversas fontes como acervos digitais, periódicos, bibliotecas e contato direto com compositoras, editoras e percussionistas. O trabalho dialoga com a literatura sobre música e mulheres, deparando-se, a partir disso, com duas questões: a invisibilidade das mulheres como compositoras na história da música e as dificuldades enfrentadas por mulheres nas práticas musicais, especificamente na área de percussão.

Resumo em Inglês:

Abstract This article presents the results of a research project that surveyed works for solo orchestral percussion by Latin American and Caribbean women. In addition to inventorying, locating, and cataloging these works, we reflect on the invisibility and absence of female composers in the canonical concert music repertoire. Our aim is to facilitate access to the works of Latin American and Caribbean women composers and to contribute to overcoming gender inequality in the field of music. The research is qualitative and exploratory, drawing on various sources such as digital archives, journals, libraries, and direct contact with composers, publishers, and percussionists. The study engages with the literature on music and women, identifying two main issues: the invisibility of women as composers in music history and the challenges faced by women in musical practices, particularly in the field of percussion.

Resumo em Português:

Resumo O samba é uma manifestação artística que se mantém como importante traço cultural brasileiro, possuindo em sua gênese, essencialmente, aspectos inerentes a população negra. As mulheres por muito tempo foram silenciadas e alijadas do contexto sambista, mesmo o gênero ter sido gestado em tantos quintais e terreiros de donas e tias do samba. Com isso, este trabalho vai ao encontro de dois grandes nomes do samba brasileiro: Dona Ivone Lara e Tia Doca da Portela para estimular ainda mais reconhecimento e refletir a respeito dos padrões patriarcais que ainda permeiam a cultura nacional. Assim, é imperativo investigar a produção destas mulheres, representada em suas interpretações e composições afim de verificar as vozes que ecoam não apenas suas artes, mas suas ancestralidades e o direito à liberdade dentro da arte contemporânea. Para tanto, utiliza-se um percurso metodológico que explora a musicalidade, sonoridade e as letras das canções em análise.

Resumo em Inglês:

Abstract Samba is an artistic manifestation that remains an important Brazilian cultural trait, having in its genesis, essentially, aspects inherent to the black population. Women were silenced and excluded from the samba context for a long time, even though the genre was created in so many backyards and land of samba owners and aunts. With this, this work meets two great names in Brazilian samba: Dona Ivone Lara and Tia Doca da Portela to stimulate even more recognition and reflect on the patriarchal patterns that still permeate national culture. Therefore, it is imperative to investigate the production of these women, represented in their interpretations and compositions in order to verify the voices that echo not only their arts, but their ancestry and the right to freedom within contemporary art. For that, a methodological approach is used that explores the musicality, sound and lyrics of the songs under analysis.

Resumo em Português:

Resumo As reflexões sobre a desigualdade de gênero na música permitiram aprofundar o entendimento sobre quais aspectos dificultaram ou afastaram compositoras e suas obras do repertório canônico e da programação musical. Tratamos, neste artigo, da análise do repertório de coros profissionais das capitais do Sudeste do Brasil, sob uma ótica de gênero, de modo a verificar a presença de mulheres enquanto compositoras e arranjadoras e discutir a representatividade e a equidade de gênero na música coral. No total, observamos que 1,7% do repertório apresentado pelos coros, de 2015 a 2021, foram composições e arranjos de mulheres. Os corpos artísticos que têm como objetivo a divulgação de obras contemporâneas demonstraram maior abertura para a execução de obras de diferentes períodos que fogem ao repertório canônico. Consideramos que pesquisas que abordem o canto coral pela perspectiva de gênero podem ampliar o acesso a obras de compositoras e arranjadoras e reinseri-las na história da música.

Resumo em Inglês:

Abstract Reflections on gender inequality in music have deepened the understanding of which aspects have hindered or excluded female composers and their works from the canonical repertoire and musical programming. In this article, we analyse the repertoire of professional choirs in the capital cities of Brazil's Southeast region from a gender perspective, in order to assess the presence of women as composers and arrangers and to discuss gender representation and equity in choral music. Overall, we observed that 1.7% of the repertoire presented by the choirs from 2015 to 2021 consisted of compositions and arrangements by women. Professional choirs aimed at promoting contemporary works demonstrated greater openness to performing pieces from different periods that deviate from the canonical repertoire. We believe that research addressing choral singing from a gender perspective can broaden access to the works of female composers and arrangers and reintegrate them into the history of music.

Resumo em Português:

Resumo Neste artigo, trazemos parte das discussões de uma pesquisa de doutoramento em que buscamos compreender como artistas negras (Dona Ivone Lara, Elza Soares, Leci Brandão e Bia Ferreira) produzem e expressam experiências estéticas de mulheres negras na música. Para tanto, valemo-nos das teorizações de bell hooks (2021), Oliveira (2012) e Prandi & Pierucci (1996), partindo da premissa de que o artístico pode ser considerado como possibilidade de realização de experiência estética. Tendo o amor, a ancestralidade e a religiosidade como eixos principais, as compositoras e cantoras constroem novas bases de ressignificação para o feminino negro em suas canções, tematizando especialmente o cuidado, a coragem e o direito aos afetos.

Resumo em Inglês:

Abstract In this article, we present part of the discussions of a doctoral study in which we attempt to understand how black artists (Dona Ivone Lara, Elza Soares, Leci Brandão and Bia Ferreira) produce and express aesthetical experiences of black women in music. To this end, we have relied on the theories of bell hooks (2021), Oliveira (2012) and Prandi & Pierucci (1996), based on the premise that artistic expression can be regarded as a possibility for having aesthetical experience. By taking love, ancestry and religiosity as main axes, the composers and singers have built new bases of resignification for the black feminine in their songs, with special emphasis on care, courage and the right to affection.

Resumo em Português:

Resumo Esta pesquisa apresenta os efeitos do uso do exercício de tubo de ressonância denominado LaxVox na ressonância vocal de sopranos líricos. Foi realizado um estudo intervencional, tendo sido analisados os âmbitos proprioceptivo, perceptivo-auditivo e acústico de três cantoras antes e após as intervenções com o tubo. Os resultados após as intervenções indicaram maior conforto fonatório, ampliação faríngea, voz considerada mais limpa e maior facilidade na emissão de notas mais agudas. No âmbito acústico foram registrados dados correlacionados a identificação de mudanças no envelope espectral, como a identificação, em nível acústico, de fenômenos de audibilidade vocal. Os dados da pesquisa corroboram o potencial do uso do LaxVox para a construção de habilidades esperadas no canto operístico, como a projeção e o brilho vocal.

Resumo em Inglês:

Abstract This research presents the effects of using the resonance tube exercise called LaxVox on the vocal resonance of lyrical sopranos. An interventional study was carried out, analyzing the proprioceptive, auditory-perceptual and acoustic domains of three singers before and after the interventions with the tube. The results after the interventions indicated greater phonatory comfort, pharyngeal widening, a voice considered cleaner and greater ease in emitting higher notes. In the acoustic domain, data correlated with the personality of changes in the spectral envelope were recorded, such as the identity, at the acoustic level, of vocal audibility characteristics. The research data corroborate the potential of using LaxVox to build skills expected in operatic singing, such as projection and vocal brilliance.

Resumo em Português:

Resumo Este artigo oferece uma revisão bibliográfica acerca da reprodução do androcentrismo na educação musical, verificado em obras de História da Música utilizadas em cursos de formação docente e em manuais didáticos de Arte (Grout e Palisca, 2007; Carpeaux, 1984; Griffiths, 1987; Kiefer, 1997; Ferrari et al., 2018). Uma concepção feminista e os conceitos de habitus, androcentrismo, interseccionalidade, e de livros como artefatos ideológicos são centrais para compreender a necessidade de ampliação da representatividade de mulheres no currículo da educação musical. Na primeira parte, abordamos os referidos conceitos e o aporte teórico feminista. No segundo tópico, apresentamos os antecedentes das pesquisas dedicadas à análise crítica de manuais didáticos contemplando critérios interseccionais. Na terceira parte, temos os resultados da análise quali-quantitativa dos livros do cânone musical, e recomendamos que a inclusão delas por meio de redefinições curriculares pode ser feita por docentes em todos os níveis educacionais.

Resumo em Inglês:

Abstract This article offers a bibliographic review about the reproduction of androcentrism in music education, which was verified in History of Music works that are used in teacher education courses and in Arts textbooks (Grout and Palisca, 2007; Carpeaux, 1984; Griffiths, 1987; Kiefer,1997; Ferrari et al., 2018). A feminist stance and the concepts of habitus, androcentrism, intersectionality, and of books as ideological artifacts are central to understand the need to expand the representation of women in the music education curriculum. Firstly, we address these concepts and the theoretical framework grounded in feminism. Secondly, we present the background of research dedicated to the critical analysis of Art textbooks with an intersectional scope. Lastly, we present the results of a qualitative and quantitative analysis of the exclusion of women in canonical music history books, advocating that their inclusion through curriculum redefinitions can be done by teachers in all the educational levels.

Resumo em Português:

Resumo A identificação de mulheres bem-sucedidas em diversas áreas do conhecimento tem sido um foco de recentes pesquisas colaborativas. No entanto, apesar desses avanços, o impacto dessas iniciativas ainda é limitado. O presente trabalho busca destacar alguns elementos de pioneirismo na biografia de Rebecca Clarke, com ênfase na composição da Sonata para viola e piano, tendo como foco a análise musical de seu primeiro movimento, sobretudo em termos de forma e harmonia. Nesse contexto, são reveladas algumas estratégias composicionais de Clarke quanto a cruzamentos de sonoridades de acordes adjacentes, expansões a partir do acorde centralizador da obra e construções de formações estruturais por terças cromáticas, resultantes de reagrupamentos de acordes que formam redes de transformações contextuais.

Resumo em Inglês:

Abstract The identification of successful women in various fields of knowledge has been a focus of recent collaborative research. However, despite these advances, the impact of such initiatives remains limited. This study aims to highlight pioneering elements in Rebecca Clarke's biography, with a particular emphasis on the composition of her Sonata for Viola and Piano, focusing on a musical analysis of the first movement, especially in terms of form and harmony. In this context, some Clarke’s compositional strategies are revealed, including the crossing of sonorities from adjacent chords, expansions stemming from the centralizing chord of the musical piece, and the construction of structural formations based on chromatic thirds, resulting from regroupings of chords that form networks of contextual transformations.

Resumo em Português:

Resumo Neste artigo abordamos sobre a participação das mulheres no samba, considerando suas principais expressões e particularidades. Realizamos um levantamento bibliográfico das produções científicas disponíveis na Biblioteca Digital de Teses e Dissertações sobre o tema. O estudo revela a relevante e histórica participação das mulheres - principalmente das mulheres negras - no samba. Protagonizam ações que envolvem música, religiosidade e dança, aspectos indissociáveis do samba como parte da cultura africana reinventada no Brasil a partir da diáspora, como expressão cultural afro-brasileira. Esse protagonismo sofre invisibilidade na historiografia do samba, sobretudo em relação ao fazer musical (execução de instrumentos e exercício composicional). No samba, que também é produto das relações sociais, as mulheres sofrem o peso das desigualdades de sexo/gênero, raça e classe social - inclusive, a divisão sexual e racial das atividades - e, ao mesmo tempo, a elas resistem. A historiografia do samba tem sido escrita majoritariamente no masculino, mas o samba não!

Resumo em Inglês:

Abstract In this article we discuss women's participation in samba, considering its main expressions and particularities. We carried out a bibliographic survey of scientific productions available in the Digital Library of Theses and Dissertations on the topic. The study reveals the relevant and historical participation of women - especially black women - in samba. They lead actions that involve music, religiosity and dance, inseparable aspects of samba as part of African culture reinvented in Brazil from the diaspora, as an Afro-Brazilian cultural expression. This protagonism suffers invisibility in the historiography of samba, especially in relation to music making (playing instruments and compositional exercises). In samba, which is also a product of social relations, women suffer the weight of sex/gender, race and social class inequalities - including the sexual and racial division of activities - and, at the same time, resist them. The historiography of samba has been written mostly in male terms, but not samba!

Resumo em Português:

Resumo Este artigo avalia a contribuição das mulheres na prática da mbira em Moçambique na contemporaneidade, rompendo as barreiras históricas estabelecidas pelo gênero. Sob as lentes pós-coloniais e decoloniais, analisam-se trabalhos da etnomusicologia que ausentam as mulheres na prática da mbira, devido: a demonização da prática de mbira na África; a atribuição de maior autoridade aos homens;a proibição de mulheres menstruadas de comparecer em cerimônias espirituais; a masculinização da mbira; e a objetificação de mulheres para satisfação sexual. Com base nas histórias orais, entrevistas, observações, notas de campo, pesquisa bibliográfica e registros fotográficos constatou-se que as mulheres, foram apenas subjugadas, mas não derrotadas - suas ações renascem uma perspectiva africana na contemporaneidade. Elas, como cantautoras, trazem suas vivências e visões para o centro do discurso seja na composição, na construção, na execução ou na reverberação da mbira. O seu protagonismo desnaturaliza estereótipos canônicos da prática e pesquisa da mbira. A luta continua.

Resumo em Inglês:

Abstract This article evaluates the contribution of women in the practice of mbira in Mozambique today, breaking down the historical barriers established by gender. Under post-colonial and decolonial lenses, this article analyses ethnomusicological works that absent women in the practice of mbira, due to: the demonization of the practice of mbira in Africa; the attribution of greater authority to men; the prohibition of menstruating women from attending spiritual ceremonies; the masculinization of mbira; and the objectification of women for sexual satisfaction. Based on oral histories, interviews, observations, field notes, literature research, and photographic records, it emerged that women were only subjugated, but not defeated - their actions revive an African perspective in contemporary times. As cantautoras, they bring their experiences and visions to the center of the discourse, whether in the composition, manufacture, performance or transmission of the mbira. Their protagonism denaturalizes canonical stereotypes of mbira practice and research. The struggle continues.

Resumo em Português:

Resumo O texto apresenta o processo de uma investigação que pretendeu recolher, catalogar e divulgar o trabalho composicional elaborado por mulheres nascidas ou residentes em Portugal e direcionado à guitarra clássica (violão), desde o ano 1950 até ao ano 2022. Como tal, serão elencados e comentados os catálogos e bases de dados existentes, bem como outras fontes relevantes para a recolha de repertório. O catálogo compilado, produto final da investigação, será devidamente descrito de modo que seja possível compreender a sua organização e o motivo da distribuição temporal realizada. Para concluir, será feito um balanço das informações presentes na fonte de consulta resultante da pesquisa.

Resumo em Inglês:

Abstract The text outlines the process of an investigation that aimed to collect, catalog, and disseminate compositional work created by women born or residing in Portugal and directed towards classical guitar, from 1950 to 2022. As such, existing catalogs and databases along with other relevant sources for repertoire collection will be listed and discussed. The compiled catalog, final product of the investigation, will be thoroughly described to enable an understanding of its organization and the rationale behind the temporal distribution. To conclude, an assessment will be made regarding the information present in the reference source resulting from the research.

Resumo em Português:

Resumo Este artigo examina as publicações da crítica musical francesa das performances da pianista brasileira Magdalena Tagliaferro no período de 1910 a 1938, com foco nas intersecções entre gênero e crítica musical. A partir da análise das fontes da imprensa francesa, disponíveis na plataforma www.retronews.fr, verifico como a imagem de Tagliaferro foi frequentemente sexualizada, e como sua aparência física e postura feminina muitas vezes eram enfatizadas em detrimento de suas habilidades musicais. A crítica musical da época, dominada por homens, tendia a enquadrar musicistas mulheres em uma categoria “separada, mas não igual”, utilizando estereótipos culturais de gênero. Para enfrentar esse contexto, Tagliaferro adotou estratégias que ressaltavam sua feminilidade e seguiam os padrões estéticos da época, embora isso também a colocasse dentro de certos limites. O artigo contribui para a compreensão das barreiras históricas enfrentadas por mulheres na música clássica, evidenciando como a crítica influenciou a percepção e a carreira de musicistas mulheres.

Resumo em Inglês:

Abstract This article examines the publications of French music criticism regarding the performances of Brazilian pianist Magdalena Tagliaferro between 1910 and 1938, focusing on the intersections between gender and music criticism. Through the analysis of sources from the French press, available on the platform www.retronews.fr, I investigate how Tagliaferro’s image was frequently sexualized, and how her physical appearance and feminine demeanor were often emphasized over her musical skills. The music criticism of the time, dominated by men, tended to frame female musicians in a "separate but not equal" category, employing cultural gender stereotypes. To navigate this context, Tagliaferro adopted strategies that emphasized her femininity and adhered to the aesthetic standards of the time, though this also placed her within certain limits. This article contributes to the understanding of the historical barriers faced by women in classical music, highlighting how criticism shaped the perception and career of female musicians.

Resumo em Português:

Resumo Este artigo investiga a condição das mulheres compositoras, sob a perspectiva da violência simbólica de gênero, e como o fazer musical permanece sob a égide do androcentrismo. No Brasil, atualmente, as compositoras recebem 8% do total arrecadado por direitos autorais, um número que representa o efeito revés e contínuo da desigualdade de gênero no ambiente musical, consequência de incontáveis anos de apagamento, de silenciamento e de violências de naturezas diversas contra o gênero e o fazer musical femininos. O objetivo desse artigo é investigar as implicações da violência simbólica de gênero no trabalho das musicistas compositoras. Como suporte teórico, esse artigo fundamenta-se no conceito de violência simbólica de Pierre Bourdieu. O artigo mostra como a violência simbólica de gênero, por meio do habitus, influencia o trabalho das compositoras, estabelecendo parâmetros assimétricos que desvalorizam a produção das mulheres compositoras.

Resumo em Inglês:

Abstract This article investigates the condition of women composers from the perspective of symbolic gender violence and how musical creation remains under the aegis of androcentrism. In Brazil today, female composers receive only 8% of the total royalties collected, a number that represents the ongoing and adverse effect of gender inequality in the musical environment, a consequence of countless years of erasure, silencing, and various forms of violence against both gender and women's musical creation. The purpose of this article is to investigate the implications of symbolic gender violence on the work of female composers. As theoretical support, this article is based on Pierre Bourdieu's concept of symbolic violence. The article demonstrates how symbolic gender violence, through habitus, influences the work of women composers, establishing asymmetric parameters that devalue their production.