Resumo em Português:

RESUMO Este artigo busca adotar uma postura não padrão em relação à arte e à ciência da fotografia. A primeira seção, sobre François Laruelle, baseia-se na crítica à filosofia como técnica da fotografia, uma relação entendida como o destino foto-centrado do pensamento ocidental. Na segunda seção, sobre Roland Barthes, o artigo explora a investigação sobre a natureza da fotografia como pesquisa de sua ontologia e efeitos de sais de prata. A partir do terreno comum de uma fotografia não padrão, o artigo eventualmente avalia semelhanças e diferenças entre as abordagens de François Laruelle e Roland Barthes em prol de uma fotografia de outro gênero e ordem.

Resumo em Espanhol:

RESUMEN Este artículo tiene como objetivo adoptar una postura no convencional sobre el arte y la ciencia de la fotografía. La primera sección sobre François Laruelle se basa en la crítica de la creación filosófica como técnica de la fotografía, una relación que se representa como el destino centrado en la fotografía del pensamiento occidental. En la segunda sección sobre Roland Barthes, el artículo explora la investigación sobre la naturaleza de la fotografía como un estudio de su ontología y efectos de la sal de plata. Desde el terreno común de una fotografía no estándar, el artículo finalmente evalúa similitudes y diferencias entre los enfoques de François Laruelle y Roland Barthes en nombre de una fotografía de otra índole y especie.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This study aims at a non-standard stance on the Art and Science of Photography. The first section on François Laruelle draws on the critique of philosophical makings as the technique of Photography, a relation figured as the photocentric destiny of Western thought. The second section investigates the nature of Photography as research in Roland Barthes’ silver-salt ontology and effects. From the common ground of a Non-Standard Photography, this study eventually assesses similarities and differences between the approaches of François Laruelle and Roland Barthes toward a Photography of another kin and kind.

Resumo em Português:

RESUMO A recusa ao trabalho no âmbito das artes visuais assume historicamente duas principais formas. De um lado, há a recusa negativa, associada às práticas ociosas, improdutivas e ao não-fazer. De outro, há a recusa afirmativa ou reivindicatória, que almeja redesenhar certos contratos sociais, valores e identidades forjados pela divisão social do trabalho alienado. O artigo procura dar contornos à tipologia proposta a partir de alguns exemplos pontuais e compreender que expressões as práticas de improdutividade e desidentificação poderiam assumir atualmente, considerando seus limites e certas transformações nos modos de produção e consumo dos últimos 50 anos.

Resumo em Espanhol:

RESUMEN El rechazo al trabajo en las artes visuales ha adoptado históricamente dos formas principales. Por un lado, está el rechazo negativo, asociado a prácticas ociosas, improductivas y al no hacer. Por otro, se encuentra el rechazo afirmativo o reivindicativo, que pretende rediseñar determinados contratos sociales, valores e identidades forjados por la alienada división social del trabajo. Este artículo pretende dar forma a la tipología propuesta a partir de algunos ejemplos concretos y comprender qué expresiones podrían adoptar hoy las prácticas de improductividad y desidentificación, teniendo en cuenta sus límites y ciertas transformaciones en los modos de producción y consumo de los últimos cincuenta años.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT Refusal of work in the visual arts has historically taken two main forms. On the one hand, there is the negative refusal associated with idle, unproductive practices and non-doing; on the other, there is the affirmative or vindicatory refusal which aims to redesign social contracts, values and identities forged by the alienated social division of labor. This article outlines the proposed typology based on some specific examples and investigates what forms the practices of unproductivity and disidentification could take on today, considering their limits and certain transformations in the modes of production and consumption over the last fifty years.

Resumo em Português:

RESUMO O artigo explora as imbricações entre modelos pictóricos de narrativa e literalidade na pintura contemporânea, tomando como exemplo três artistas: Kerry James Marshall, Luc Tuymans e Mamma Andersson. A obra dos três, que começa a ganhar proeminência entre as décadas de 1980 e 1990, convoca estas duas instâncias - e, com frequência, suas bagagens históricas - simultaneamente, trabalhando-as enquanto signos distintos dentro de um mesmo quadro.

Resumo em Espanhol:

RESUMEN El artículo explora la superposición entre los modelos pictóricos de narrativa y literalidad en la pintura contemporánea, tomando como ejemplo a tres artistas: Kerry James Marshall, Luc Tuymans y Mamma Andersson. El trabajo de los tres, que comenzó a ganar protagonismo entre los años 1980 y 1990, convoca estas dos instancias -y, a menudo, su bagaje histórico- simultáneamente, trabajándolas como signos distintos dentro de un mismo marco.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT The article explores the overlap between pictorial models of narrative and literality in contemporary painting, taking three artists as an example: Kerry James Marshall, Luc Tuymans and Mamma Andersson. The work of the three, which began to gain prominence between the 1980s and 1990s, summons these two instances - and, often, their historical baggage - simultaneously, working them as distinct signs within the same framework.

Resumo em Português:

RESUMO Este texto constitui um primeiro avanço na história da música e da dança em Carora (Venezuela) entre os séculos XVI e XVIII, a partir da análise da influência da Igreja Católica. Foram analisadas as manifestações aborígenes, e os modelos e instrumentos musicais espanhóis, abordando suas raízes árabes, e manifestações locais. Destaca-se o papel operacional e aculturador da Igreja e a presença do mudéjar, juntamente com referências medievais e renascentistas, que afetam –desde e para– a cultura tradicional americana. A referência a duas harpas em uma capela próxima é uma pista sintomática de seu papel e da música e da arquitetura como parte de um sistema de evangelização, operando como uma “machine à émouvoir”.

Resumo em Espanhol:

RESUMEN Este texto constituye un primer avance sobre la historia de la música y la danza en Carora (Venezuela) entre los siglos XVI y XVIII, evaluando la influencia de la Iglesia Católica. Se estudian las expresiones aborígenes y se analizan los modelos españoles e instrumentos musicales, abordando sus raíces arábigas, y las manifestaciones locales. Resalta el papel operativo y aculturador de la Iglesia, y la presencia de lo mudéjar junto con las referencias medieval y renacentista, afectando –desde y hacia– la cultura tradicional americana. La referencia sobre dos arpas en una capilla cercana constituye una sintomática pista sobre su papel y el que tuvo la música y la arquitectura como partes de un sistema evangelizador, operando como una “machine à émouvoir”.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This text constitutes a first advance to the History of Music and Dance in Carora (Venezuela) between 16th and 18th centuries, evaluating the influence of Catholic Church. It studies the aboriginal expressions, the disseminated Spanish models and different musical instruments, deepening into their Arabic roots, as on the local manifestations. It also highlights the Church’s operative and acculturating role, and the presence of the Mudejar together with the Medieval and Renaissance references, affecting –from and towards– the American cultural tradition. The reference about two harps in a near chapel constitutes a symptomatic clue about their important function, as the one that music and architecture had as part of an evangelizing system that functioned as a “machine à émouvoir.”

Resumo em Português:

RESUMO Resultado do nosso interesse em investigar a presença de carnavalescos de escolas de samba do Rio de Janeiro, enquanto agentes do “popular”, em espaços da arte contemporânea, o presente artigo trata da exposição Alice no Brasil das maravilhas, realizada pelo carnavalesco Joãosinho Trinta no Sesc Pompeia, em 1989. Analisaremos as estratégias de agentes e instituições da arte contemporânea para dar a ver a produção em “trânsito” de Trinta entre o “popular” e a arte contemporânea e institucionalizada. Particularmente, discutiremos como documentos que registram o processo de concepção e montagem da exposição, especialmente as fotografias, sugerem esse evento como uma performance na qual há agenciamento de saberes e processos próprios de barracões de escolas de samba em um espaço de arte contemporânea.

Resumo em Espanhol:

RESUMEN Fruto de nuestro interés en investigar la presencia de carnavaleros de escuelas de samba de Río de Janeiro, como agentes de lo “popular”, en espacios de arte contemporáneo, este artículo aborda la exposición Alicia en el Brasil de las Maravillas, realizada por el carnavalesco Joãosinho Trinta en Sesc Pompeia en 1989. Analizaremos las estrategias de los agentes e instituciones del arte contemporáneo para revelar la producción de Trinta en “tránsito”, entre el “popular” y el arte institucionalizado. En particular, discutiremos cómo los documentos que registran el proceso de concepción y montaje de la exposición, especialmente las fotografías, sugieren este evento como una performance en la que hay una agencia de conocimientos y procesos propios de los talleres de trabajo de las escuelas de samba en un espacio de arte contemporáneo.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT Result of our interest in investigating the presence of carnival participants from Rio de Janeiro samba schools, as agents of the “popular”, in contemporary art institutions, this article deals with the exhibition Alice in Brazil of Wonders, held by carnival artist Joãosinho Trinta in Sesc Pompeia in 1989. We will analyze the strategies of contemporary art agents and institutions to reveal Trinta's production in “transit”, between “popular” and institutionalized art. In particular, we will discuss how documents that record the exhibition process, conception and assembly, especially photographs, suggest this event as a performance that agency, in a contemporary art space, samba schools knowledge and processes typically verified in its work places.

Resumo em Português:

RESUMO A partir da discussão introdutória do conceito comumente chamado de “era das bienais” e das peculiaridades da forma-bienal contemporânea, o artigo volta-se à 35ª Bienal de São Paulo, Coreografias do impossível, de 2023, com o objetivo de investigar alguns dos principais elementos disseminados pela concepção, estrutura e organização da bienal que apresentam uma pretensão à criticidade. Visamos caracterizar, em suas grandes linhas, o conceito e o alcance desses componentes para a formatação da crítica no contexto dessa bienal (e, no limite, da própria forma-bienal contemporânea em geral).

Resumo em Espanhol:

RESUMEN A partir de una discusión introductoria del concepto de la llamada “era de las bienales” y de las peculiaridades de la forma bienal contemporánea, el artículo se concentra en la 35ª Bienal de São Paulo, Coreografías de lo imposible, de 2023, con el objetivo de investigar algunos de los principales elementos difundidos por la concepción, estructura y organización de la bienal que presentan un pretensión de criticidad. Nuestro objetivo es caracterizar, a grandes rasgos, el concepto y alcance de estos componentes para la conformación de la crítica en el contexto de esta bienal (y, en última instancia, de la propia forma bienal contemporánea).

Resumo em Inglês:

ABSTRACT The article begins with an introductory discussion of the so-called concept of the “Age of the Biennial” in general and specifically of the contemporary biennial form; the article then turns to the 35th São Paulo Biennial, Choreographies of the Impossible, from 2023, aiming to investigate some of the main elements disseminated in its conception, structure, and organization that present a claim to criticality. Our objective is to characterize, in broad strokes, the concept and scope of these components for the shaping of criticism in the context of the 35th Biennial (and, ultimately, of the contemporary biennial form itself).

Resumo em Português:

RESUMO A partir da reflexão sobre a obra Manuel Querino Dan (2024), do jovem artista paulista Denis Moreira, o texto propõe um estudo sobre a produção de Moreira tendo como diretrizes, por um lado, determinados aspectos da arte afrodiaspórica no Brasil e, por outro, a utilização por parte de artistas contemporâneos de procedimentos alegóricos para a produção de suas obras.

Resumo em Espanhol:

RESUMEN A partir de una reflexión sobre la obra Manuel Querino Dan (2024), del joven artista paulista Denis Moreira, el texto propone un estudio de la obra de Moreira, tomando como guía, por un lado, ciertos aspectos del arte afrodiaspórico en Brasil y, por otro, el uso de procedimientos alegóricos por parte de artistas contemporáneos en la producción de sus obras.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT Based on a reflection on the work Manuel Querino Dan (2024), by the young artist from São Paulo city, Denis Moreira, the text proposes a study of Moreira's production, taking as guidelines, on the one hand, certain aspects of Afro-diasporic art in Brazil and, on the other, the use by contemporary artists of allegorical procedures for the production of their works.

Resumo em Português:

Resumo O artigo propõe uma reformulação da mediação cultural nos termos de uma mediação pós-crítica (ou antropologia das mediações), diante das crises instauradas pela plataformização digital e pelas guerras culturais no campo das artes visuais e da educação. Para tanto, parte de duas situações exemplares (o caso Retomadas e o caso Diva), nas quais algumas “cadeias de equivalência” (político-identitárias) pressupostas pela crítica são interrompidas. O artigo ainda especifica em que sentido emprega o termo “pós-crítico”, além de justificar a pertinência do que propõe com base no reconhecimento de uma crise da crítica, paralela ao advento de uma condição pós-crítica. Sua proposta é amplamente informada pela antropologia simétrica e pela teoria do ator-rede de Bruno Latour, sem deixar de reconhecer uma série de outras contribuições.

Resumo em Espanhol:

Resumen El artículo propone una reformulación de la mediación cultural en términos de una mediación post-crítica (o antropología de las mediaciones), ante las crisis generadas por la plataformización digital y las guerras culturales en el ámbito de las artes visuales y la educación. Para ello, parte de dos situaciones ejemplares (el caso Retomadas y el caso Diva) en las que algunas “cadenas de equivalência” (político-identitarias) presupuestas por la crítica son interrumpidas. El artículo también especifica en qué sentido emplea lo “post-crítico”, además de justificar la pertinencia de su propuesta basándose en el reconocimiento de una crisis de la crítica, paralela al advenimiento de una condición post-crítica. Su propuesta está ampliamente informada por la antropología simétrica y teoría del actor-red de Bruno Latour, sin dejar de reconocer una serie de otras contribuciones.

Resumo em Inglês:

Abstract The paper proposes another way of thinking about gallery education in terms of a post-critical gallery education (or anthropology of mediations), in the face of crises established by digital platformization and cultural wars in the fields of visual arts and education. To do so, it starts from two exemplary situations (the Retomadas case and the Diva case) in which some (political-identitarian) ‘chains of equivalence’ assumed by criticism are interrupted. The article also specifies in what sense it employs the ‘post-critical’, in addition to justifying the relevance of its proposal based on the recognition of a crisis in critique, parallel to the advent of a post-critical condition. Its proposal is broadly informed by Bruno Latour's symmetrical anthropology and actor-network theory, while also acknowledging a series of other contributions.

Resumo em Português:

RESUMO Este trabalho tem como premissa desenvolver o argumento de Lichtenstein (1994) no qual ela afirma ser possível reconhecer na Poética de Aristóteles aspectos que conformariam uma teoria da imagem. Dedicada aos estudos da tragédia, essa obra possui trechos que fazem referência à pintura e ao desenho. Sua influência é reconhecida nos estudos da Academia de Beaux Arts, no século XVII, com destaque para a querela entre o desenho e a cor. Contudo, como seria abordar essa teoria da imagem no contexto das artes moderna e contemporânea? O objetivo deste trabalho é reconhecer as condicionantes dessa teoria da imagem proposta por Lichtenstein (1994) e em seguida aproximá-la das questões presentes no Impressionismo, no Dadaísmo e na arte contemporânea.

Resumo em Espanhol:

RESUMEN Este trabajo tiene como premisa desarrollar el argumento de Lichtenstein (1994) en el cual ella afirma ser posible reconocer en la Poética de Aristóteles aspectos que conformarían una teoría de la imagen. Dedicada a los estudios de la tragedia, esta obra tiene pasajes que hacen referencia a la pintura y al dibujo. Su influencia es reconocida en los estudios de la Academia de Bellas Artes, en el siglo XVII, destacando por la querella entre el dibujo y el color. Sin embargo, ¿cómo sería abordar esta teoría de la imagen en el contexto del arte moderno y contemporáneo? El objetivo de este trabajo es reconocer los condicionantes de esta teoría de la imagen propuesta por Lichtenstein (1994) y luego aproximarla a las cuestiones presentes en el impresionismo, el dadaísmo y el arte contemporáneo.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This paper's subject is to develop the argument of Lichtenstein (1994) in which she claims it is possible to recognize, in Aristotle's Poetics aspects that would conform to an image theory. Dedicated to the study of tragedy, this text has passages where painting and drawing were considered. His influence is recognized in the studies of the Academy of Beaux Arts in Paris. However, is it possible to approach this theory of the image to modern and contemporary arts? The subject of this paper is to recognize the conditions of this theory of the image proposed by Lichtenstein (1994) and its relationship with Impressionism, Dadaism, and contemporary art.

Resumo em Português:

RESUMO Com a recente virada representacional efetuada nos espaços expositivos de arte, a Sala Xingu Terra (1975) tornou-se referência constante, embora nunca aprofundada, por configurar a primeira presença indígena em uma Bienal de São Paulo. O cruzamento de fontes arquivísticas, bibliográficas e entrevistas realizadas pela autora buscou suprir essa lacuna ao traçar um percurso historiográfico crítico, cuja ênfase recai sobre a construção da presença indígena naquele evento, bem como sobre o estatuto artístico das produções indígenas frente ao corpus consolidado da arte ocidental. Alterações paradigmáticas - tanto no regime de autoria quanto no regime de representação - convocam a uma leitura a contrapelo da participação de Aritana Yawalapíti na 13ª Bienal, que ocorreu sob chave tutelar e foi marcada por ambiguidades e alianças afetivas.

Resumo em Espanhol:

RESUMEN El giro representacional en los espacios expositivos de arte ha hecho de la Sala Xingu Terra (1975) referencia constante. Paradójicamente, la primera presencia indígena en una Bienal de São Paulo nunca ha sido explorada en profundidad. El cruce de archivos, bibliografías y entrevistas buscó llenar este vacío trazando un recorrido historiográfico crítico que enfatiza la construcción de la presencia indígena en ese evento y el estatuto artístico de las producciones indígenas frente al arte occidental. Los cambios paradigmáticos en el régimen de autoría y de representación invitan a una lectura a contrapelo de la participación de Aritana Yawalapíti en la XIII Bienal, que se desarrolló en clave tutelar y estuvo marcada por ambigüedades y alianzas afectivas.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT The recent representational turn in art exhibition spaces has made the Xingu Terra Room (1975) a constant reference. Paradoxically, the first indigenous presence in a Bienal de São Paulo has never been explored in depth. The cross-referencing of archives, bibliographic sources and interviews sought to fill this gap by tracing a critical historiographical path that stresses the construction of the indigenous presence in that event and the artistic status of indigenous productions in relation to consolidated Western art. Paradigmatic changes, both in the regime of authorship and of representation, call for a reading against the grain of Aritana Yawalapíti's participation in the 13th Biennial, which took place under a tutelary key and was marked by ambiguities and affective alliances.

Resumo em Português:

RESUMO Neste artigo apresenta-se uma leitura crítica da obra Bodyspacemotionthings, parte integrante da primeira exposição de Robert Morris na Europa, em 1971. A aspiração do artista por uma obra de arte que engajasse corporal e cinestesicamente os visitantes é aqui analisada como exemplar da virada performativa da arte do período. Para a análise da obra e de sua potência disruptiva, é levada em conta a produção escultórica de Morris nos anos 1960 e seu envolvimento com a cena da dança pós-moderna. Por fim, reflete-se sobre a remontagem da obra em 2009, questionando uma possível perda de sua força crítica original.

Resumo em Espanhol:

RSUMEN En este artículo se presenta una lectura crítica de la obra Bodyspacemotionthings, parte integral de la primera exposición europea de Robert Morris en 1971. La aspiración del artista de crear una obra de arte que involucrara corporal y cinestésicamente a los visitantes se analiza aquí como ejemplar del giro performativo del arte del período. Para el análisis de la obra y su potencia disruptiva, se considera la producción escultórica de Morris en los años sesenta y su participación en la escena de la danza posmoderna. Por último, se reflexiona sobre el reestreno de la obra en 2009, cuestionando una posible pérdida de su fuerza crítica original.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This article presents a critical reading of the work Bodyspacemotionthings, part of Robert Morris’s first European exhibition in 1971. The artist’s aspiration to create an artwork that would engage visitors corporeally and kinesthetically is analyzed here as exemplary of the period’s performative turn in art. To analyze the work and its disruptive potential, the article considers Morris’s sculptural production from the 1960s and his involvement with the postmodern dance scene. Finally, it reflects on the 2009 restaging of the work, questioning a potential loss of its original critical force.

Resumo em Português:

RESUMO O artigo revisita o conceito de regime estético das artes de Jacques Rancière e procura discutir suas potências e limitações no que concerne ao debate, cada vez mais presente na arte contemporânea, acerca da afirmação política das identidades e da autoria. Ao mesmo tempo que a experiência estética emancipa ao redistribuir o sensível, sua promessa de universalidade encontra limites históricos, sobretudo para mulheres e sujeitos marginalizados. Corpos que foram mais personagens do que autoras buscam agora inserir-se no cânone, ou melhor, deslocá-lo e multiplicá-lo. Pretendemos repensar o vínculo entre estética e política incorporando dilemas éticos contemporâneos sem, no entanto, reduzir a arte à função representativa.

Resumo em Espanhol:

RESUMEN El artículo retoma el concepto de régimen estético de las artes de Jacques Rancière y trata de discutir sus poderes y limitaciones en relación con el debate, cada vez más presente en el arte contemporáneo, sobre la afirmación política de las identidades y la autoría. Si bien la experiencia estética emancipa redistribuyendo lo sensible, su promesa de universalidad encuentra límites históricos, especialmente para las mujeres y los sujetos marginados. Cuerpos que han sido más personajes que autores buscan ahora insertarse en el canon o, mejor dicho, desplazarlo y multiplicarlo. Pretendemos repensar el vínculo entre estética y política incorporando dilemas éticos contemporáneos sin por ello reducir el arte a su función representativa.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT The article revisits Jacques Rancière's concept of the Aesthetic Regime of the Arts and seeks to discuss its potentials and limitations regarding the increasingly prominent debate in contemporary art about the political affirmation of identities and authorship. While the aesthetic experience emancipates by redistributing the sensible, its promise of universality encounters historical limits, especially for women and marginalized subjects. Heterogenous bodies, assuming its own authorship, seek to insert themselves into the canon, or rather, to displace and multiply it. We aim to rethink the link between aesthetics and politics by incorporating contemporary ethical dilemmas without, however, reducing art to a representational function.

Resumo em Português:

RESUMO Este artigo investiga a participação dos Estados Unidos nas duas primeiras edições da Bienal de São Paulo, analisando a relação entre arte, política e diplomacia cultural no contexto da Guerra Fria. O texto examina as estratégias de promoção da arte norte-americana, destacando o papel do Museum of Modern Art (MoMA) na organização e curadoria, bem como a atuação da United States Information Agency (USIA) e de Nelson Rockefeller. Por meio de fontes primárias, explora as dinâmicas e tensões entre autonomia artística e interesses geopolíticos do governo dos Estados Unidos. Nesse contexto, a Bienal funcionou como palco crucial para a diplomacia cultural americana, projetando uma imagem de liderança na arte contemporânea e promovendo valores de liberdade e inovação. Em suma, a Bienal consolidou-se como um espaço estratégico para a arte e a construção de alianças, mas também de disputa e negociação de significados.

Resumo em Espanhol:

RESUMEN Este artículo investiga la participación de Estados Unidos en las dos primeras ediciones de la Bienal de São Paulo, analizando la relación entre arte, política y diplomacia cultural en el contexto de la Guerra Fría. El texto examina las estrategias de promoción del arte norteamericano, destacando el papel del Museum of Modern Art (MoMA) en la organización y curaduría, así como la actuación de la United States Information Agency (USIA) y de Nelson Rockefeller. A través del análisis de fuentes primarias, explora las dinámicas y tensiones entre la autonomía artística y los intereses geopolíticos del gobierno estadounidense. En este contexto, la Bienal funcionó como un escenario crucial para la diplomacia cultural americana, proyectando una imagen de liderazgo en el arte contemporáneo y promoviendo valores de libertad e innovación. En resumen, la Bienal se consolidó como un espacio estratégico para el arte y la construcción de alianzas, pero también de disputa y negociación de significados.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This article investigates the United States' participation in the first two editions of the São Paulo Biennial, analyzing the relationship between art, politics, and cultural diplomacy in the context of the Cold War. The text examines the strategies for promoting American art, highlighting the role of the Museum of Modern Art (MoMA) in organization and curation, as well as the actions of the United States Information Agency (USIA) and Nelson Rockefeller. Through primary sources, it explores the dynamics and tensions between artistic autonomy and the U.S. government's geopolitical interests. In this context, the Biennial served as a crucial stage for American cultural diplomacy, projecting an image of leadership in contemporary art and promoting values of freedom and innovation. In summary, the Biennial established itself as a strategic space for art and alliance building, but also for the dispute and negotiation of meanings.

Resumo em Português:

RESUMO Este artigo pretende tecer reflexões acerca do limiar entre a transparência e a opacidade presentes nas fotografias da cerimônia do Hain, dos Selk’nam, feitas pelo antropólogo Martín Gusinde, no século XX, na Terra do Fogo, Chile. Embora tais imagens tenham sido compreendidas como documentos, por estarem associadas à pesquisa do antropólogo austríaco, este estudo debruça-se sobre a noção de “sintoma” proposta por Didi-Huberman, que retoma os estudos de Freud em A Interpretação dos Sonhos (1900), para deslocar o conceito do vocabulário clínico para o campo do pensamento visual e da crítica da imagem.

Resumo em Espanhol:

RESUMEN Este artículo pretende reflexionar sobre el límite entre la transparencia y la opacidad presentes en las fotografías de la ceremonia del Hain, de los Selk'nam, tomadas por el antropólogo Martín Gusinde en el siglo XX en Tierra del Fuego, Chile. Aunque estas imágenes se han entendido como documentos, al estar asociadas a la investigación del antropólogo austriaco, este estudio se centra en la noción de “síntoma” propuesta por Didi-Huberman, que retoma los estudios de Freud en La interpretación de los sueños (1900) para trasladar el concepto del vocabulario clínico al campo del pensamiento visual y la crítica de la imagen.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This article offers a reflection on the threshold between transparency and opacity in the photographs of the Hain ceremony of the Selk'nam people, taken by anthropologist Martín Gusinde in the 20th century in Tierra del Fuego, Chile. Although these images have been understood as documents, as they are associated with the Austrian anthropologist's research, this study focuses on the notion of “symptom” proposed by Didi-Huberman, who revisits Freud's studies in The Interpretation of Dreams (1900) to shift the concept from clinical vocabulary to the field of visual thought and image criticism.

Resumo em Português:

RESUMO Neste ensaio, analiso a obra com a qual a artista visual Val Souza foi contemplada pela Bolsa de Fotografia ZUM/IMS de 2020. O painel Vênus desloca o eixo iconográfico sobre a mulher negra, de um modo “fugitivo”. Nesse trabalho, a artista busca articular questões relacionadas a estereótipos de beleza e abjeção, desenvolvidos em um plano de proliferação de imagens de desejo e violência. O empreendimento de Val Souza encontra correspondência no pensamento de Saidiya Hartman, para quem o desejo, a beleza e a sedução oferecem interface para a produção da morte em vida escrava. Neste ensaio, discuto o trabalho da artista sob essa perspectiva, fazendo uso da noção de “constelação”, encontrada em Aby Warburg, e de “fugitividade”, encontrada em Fred Moten.

Resumo em Espanhol:

RESUMEN En este ensayo, analizo la obra por la cual la artista visual Val Souza recibió la Beca de Fotografía ZUM/IMS 2020. El panel Venus desplaza el eje iconográfico sobre la mujer negra, de manera “fugitiva”. En esta obra, la artista busca articular cuestiones relacionadas con estereotipos de belleza y abyección desarrollados en un contexto de proliferación de imágenes de deseo y violencia. La empresa de Val Souza encuentra correspondencia en el pensamiento de Saidiya Hartman, para quien el deseo, la belleza y la seducción ofrecen una interfaz para la producción de la muerte en vida del esclavo. En este ensayo, analizo el trabajo de la artista desde esta perspectiva, utilizando la noción de “constelación” presente en Aby Warburg y “fugitividad” encontrada en Fred Moten.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT In this essay, I analyze the work for which visual artist Val Souza was the winner of the 2020 ZUM/IMS Photography Grant. The Venus panel shifts the iconographic axis over the black woman, in a “fugitive” way. In this work, the artist seeks to articulate issues related to stereotypes of beauty and abjection developed in a context of the proliferation of images of desire and violence. Val Souza’s enterprise finds correspondence in the thought of Saidiya Hartman, for whom desire, beauty, and seduction offer an interface for the production of slave death-in-life. In this essay, we discuss the artist’s work from this perspective, using the notion of “constellation” found in Aby Warburg and “fugitivity” found in Fred Moten.

Resumo em Português:

RESUMO O artigo aborda a Tropicália, movimento cultural brasileiro dos anos 1960 que uniu artes visuais, música, teatro e cinema. Originado na obra ambiental “Tropicália” de Hélio Oiticica, o termo foi ampliado por Caetano Veloso para descrever uma estética crítica e multifacetada. Esse movimento confrontou as contradições da modernização, propondo uma síntese cultural que mesclava o popular e o erudito, o artesanal e o industrial. Marcado pela inclusão do corpo, relação participativa e crítica social, desafiou as fronteiras artísticas e ideológicas, expondo as complexidades e as contradições da identidade brasileira.

Resumo em Espanhol:

RESUMEN El artículo aborda Tropicália, el movimiento cultural brasileño de la década de 1960 que unió artes visuales, música, teatro y cine. Originado en el trabajo ambiental “Tropicália” por Hélio Oiticica, el término fue expandido por Caetano Veloso para describir una estética crítica y multifacética. Este movimiento enfrentó las contradicciones de la modernización, proponiendo una síntesis cultural que mezcló al popular y al erudito, lo artesanal y lo industrial. Marcado por la inclusión del cuerpo, la relación participativa y la crítica social, desafió los límites artísticos e ideológicos, exponiendo las complejidades y contradicciones de la identidad brasileña.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT The article discusses the Brazilian cultural movement of the 1960s, which united visual arts, music, theater, and cinema. Originated in the environmental work “Tropicália” by Hélio Oiticica, the term was expanded by Caetano Veloso to describe a critical and multifaceted aesthetic. This movement confronted the contradictions of modernization, proposing a cultural synthesis that mixed the popular and the scholar, the artisanal and the industrial. Marked by the inclusion of the body, participatory relationship and social criticism, it challenged artistic and ideological boundaries, exposing the complexities and contradictions of Brazilian identity.

Resumo em Português:

RESUMO O texto propõe uma reflexão sobre a articulação entre arte, política e os imaginários revolucionários no contexto de hegemonia do neoliberalismo progressista. Para tanto, toma-se como hipótese que hoje, nos cenários artísticos da América Latina, a relação entre arte e imaginários revolucionários foi recolocada e atualizada, sobretudo, por produções artísticas alinhadas com as perspectivas decoloniais. A partir desse cenário, o texto problematiza os limites e impasses de uma propalada virada decolonial nos museus de arte e noções de autonomia e emancipação nos trabalhos de arte comprometidos com uma perspectiva decolonial.

Resumo em Espanhol:

RESUMEN Este texto propone reflexionar sobre la articulación entre arte, política e imaginarios revolucionarios en el contexto de la hegemonía del neoliberalismo progresista. Para ello, se plantea la hipótesis de que actualmente, en el contexto artístico latinoamericano, la relación entre arte e imaginarios revolucionarios ha sido reposicionada y actualizada, sobre todo, por producciones artísticas alineadas con perspectivas decoloniales. Con base en este contexto, este estudio problematiza los límites e impasses de un supuesto giro decolonial en los museos de arte y las nociones de autonomía y emancipación en obras de arte comprometidas con una perspectiva decolonial.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This study reflects on the articulation between art, politics, and revolutionary imaginaries within the hegemony of progressive neoliberalism. For this, it hypothesized that today, in Latin American art scenes, the relation between art and revolutionary imaginaries has been repositioned and updated, above all by artistic productions aligned with decolonial perspectives. Based on this scenario, this study problematizes the limits and impasses of a so-called decolonial turn in art museums and notions of autonomy and emancipation in art works committed to a decolonial perspective.

Resumo em Português:

RESUMO Após apontar questões fundamentais do contexto produtivo para o adensamento e profissionalização do sistema de arte brasileiro nos anos 1970, as autoras do livro O papel da crítica na formação de um pensamento contemporâneo de arte no Brasil na década de 1970 identificam transformações significativas na esfera crítica de arte, ao menos desde meados dos anos 1980, que adicionam contradições e complexidades aos processos em curso do adensamento de nosso circuito de arte. Mudanças dos últimos 30 anos redefiniram hierarquias entre instâncias e agentes do sistema de arte, o mercado ganhou protagonismo inédito na cadeia de construção de valor da obra de arte, e a crítica, tal como idealizada na modernidade, perdeu sua razão de ser social. Nesse novo contexto, a pergunta proposta é: a produção crítica pensada a partir de e em nosso contexto periférico ainda teria algo a nos dizer? De outra forma, seria possível dialetizar nossa fortuna crítica, desenvolvida ao longo do século XX, com as questões urgentes de nosso presente?

Resumo em Espanhol:

RESUMEN Tras señaladas las cuestiones fundamentales del contexto productivo para el fortalecimiento y la profesionalización del sistema de arte brasileño en los años 1970, las autoras del libro O papel da crítica na formação de um pensamento contemporâneo de arte no Brasil na década de 1970 identifican transformaciones significativas en la esfera crítica del arte, al menos desde mediados de los años 1980, que añaden contradicciones y complejidades a los procesos en curso de consolidación de nuestro circuito artístico. Los cambios de los últimos 30 años han redefinido jerarquías entre instancias y agentes del sistema del arte, y el mercado ha ganado un protagonismo inédito en la cadena de construcción del valor de la obra de arte, y la crítica, tal como la concibieron en la modernidad, ha perdido su razón de ser social. En este nuevo contexto, la pregunta que se propone es: ¿La producción crítica pensada desde y en nuestro contexto periférico aún tendría algo que decirnos? De otro modo, ¿sería posible dialectizar nuestra fortuna crítica, desarrollada a lo largo del siglo XX, con las cuestiones urgentes de nuestro presente?

Resumo em Inglês:

ABSTRACT After pointing out fundamental issues of the productive context to densify and professionalize the Brazilian art system in the 1970s, the authors of the book The Role of Criticism in the Formation of Contemporary Art Thought in Brazil in the 1970s identify significant transformations in the critical art sphere at least since the mid-1980s that add contradictions and complexities to the ongoing processes of densification of our art circuit. The changes of the last 30 years have redefined hierarchies between instances and agents of the art system. The market gained an unprecedented role in the value-building chain of the work of art and criticism, as idealized in modernity, has lost its social raison d’être. In this new context, the proposed question is: would the critical production thought from and in our peripheral context still have something to tell us? Otherwise, would it be possible to dialectize our critical fortune, developed throughout the 20th century, with the urgent issues of our present?

Resumo em Português:

RESUMO A partir do entendimento da arte como “macete do game” (Raoni Azevedo/A Noiva – Igreja do Reino da Arte), o ensaio aproxima as estratégias de Heitor dos Prazeres e Wellington Virgolino no âmbito de suas participações em diferentes edições da Bienal de São Paulo. Considerados, pela instituição e pela crítica de então (décadas de 1950/60), como “primitivos”, os artistas lograram instrumentalizar a Bienal, revertendo preconceitos estéticos e raciais em estratégias para “vencer no jogo da vida”, tal como na definição de A Noiva. Ao longo do texto, temas como primitivização, branquitude, agência, crítica institucional e cronopolítica são endereçados.

Resumo em Espanhol:

RESUMEN Partiendo de la comprensión del arte como un “truco del juego” (Raoni Azevedo/A Noiva – Igreja do Reino da Arte), este ensayo se acerca a las estrategias de Heitor dos Prazeres y Wellington Virgolino en el contexto de su participación en diferentes ediciones de la Bienal de São Paulo. Considerados “primitivos” por la institución y la crítica de la época (años 1950-1960), los artistas consiguieron instrumentalizar la Bienal, convirtiendo prejuicios estéticos y raciales en estrategias para “ganar en el juego de la vida”, como en la definición de A Noiva. A lo largo del texto se abordan temas como la primitivización, la blancura, la agencia, la crítica institucional y la cronopolítica.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT Based on understanding art as a “gaming trick” (Raoni Azevedo/A Noiva – Igreja do Reino da Arte), this essay approaches the strategies of Heitor dos Prazeres and Wellington Virgolino in their participation in São Paulo Biennial editions. Considered “primitive” by the institution and the critics of the time (1950s/60s), the artists managed to instrumentalize the Biennial, turning aesthetic and racial prejudices into strategies to “win at the game of life” as defined in A Noiva. This essay addresses themes such as primitivization, whiteness, agency, institutional critique, and chronopolitics.

Resumo em Português:

RESUMO O texto apresenta uma breve trajetória biográfica de Arthur Bispo do Rosário, desvelando o caráter romântico de sua mistificação e reconhecendo, tanto no processo de manicomialização compulsória quanto nos dilemas relativos à recepção de sua produção no circuito artístico, operações inerentes à violência colonial. Diante dos distintos modos de mobilização póstuma de sua obra, o texto apresenta sua produção para além do denominador “obra”, defendendo-a como “Situação Bispo” e marcando com essa proposta um entrelaçamento entre arte e política.

Resumo em Espanhol:

RESUMEN Este texto presenta una breve trayectoria biográfica de Arthur Bispo do Rosário, desvelando el carácter romántico de su mistificación y reconociendo, tanto en el proceso de manicomialización obligatoria como en los dilemas relacionados con la recepción de su producción en el circuito artístico, operaciones inherentes a la violencia colonial. Frente a las diferentes formas de movilización póstuma de su obra, se expone su producción más allá del término “obra”, defendiéndola como “Situación Bispo”, marcando así un entrelazamiento entre arte y política.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This study offers a brief biographical trajectory of Arthur Bispo do Rosário, reviewing the romantic character of his mystification and recognizing, in the process of compulsory manicomialization and the dilemmas related to the reception of his production in the artistic circuit, operations inherent to colonial violence. Faced with the different ways in which his work is mobilized posthumously, this study treats his production beyond the term “work,” defending it as the “Bispo Situation,” thereby marking an intertwining of art and politics.

Resumo em Português:

RESUMO O sistema da arte recente é baseado na sobreposição sem mediações entre uma prática curatorial centrada em métodos dos estudos culturais e uma valorização de mercado segundo os princípios da indústria do luxo. A crítica de arte, mediadora tradicional entre produção e instituição ou mercado, perdeu grande parte de sua força com o fim de uma concepção teleológica e universalista da arte.

Resumo em Espanhol:

RESUMEN El sistema del arte reciente se basa en la superposición sin mediaciones entre una práctica curatorial fundamentada en los métodos de los estudios culturales y una valorización de mercado según los principios de la industria del lujo. La crítica de arte, mediadora tradicional entre la producción y la institución o el mercado, ha perdido gran parte de su fuerza con el fin de una concepción teleológica y universalista del arte.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT The recent art system is founded on an overlap without mediation between a curatorial practice based on the methods of cultural studies and a market appreciation according to the principles of the luxury industry. Art criticism, a traditional mediator between production and institution or market, has lost much of its strength with the end of a teleological and Universalist conception of art.

Resumo em Português:

RESUMO O texto discute a crescente separação entre os objetivos das instituições orientadas pelo mercado e o genuíno interesse pela arte, apontando para a diluição e dispersão das obras em museus e coleções. Ressalta a resistência da produção acadêmica e a dificuldade do mercado em sustentar trabalhos de artistas brasileiros. Por fim, defende a necessidade de estratégias individuais para preservar a integridade e a permanência da arte.

Resumo em Espanhol:

RESUMEN El texto analiza la creciente separación entre los objetivos de las instituciones orientadas al mercado y el interés genuino por el arte, señalando la dilución y dispersión de las obras en museos y colecciones. Destaca la resistencia de la producción académica y la dificultad del mercado en apoyar obras de artistas brasileños. Finalmente, defiende la necesidad de estrategias individuales para preservar la integridad y permanencia del arte.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT The text discusses the growing separation between the objectives of market-driven institutions and genuine interest in art, pointing to the dilution and dispersion of works in museums and collections. It highlights the resistance of academic production and the market’s difficulty in supporting works by Brazilian artists. Finally, it defends the need for individual strategies to preserve the integrity and permanence of art.

Resumo em Português:

RESUMO Este artigo parte da experiência da autora como pesquisadora da arte moderna brasileira, procurando articular reflexões sobre sua inscrição nesse campo de investigação, além de problematizar a própria concepção de moderno ou modernismo, sua entrada na universidade e, por fim, os dilemas intrínsecos à ampliação global da própria disciplina. Todas essas questões se conectam para buscar responder à pergunta que serve de título a este artigo acerca da pertinência, da validade ou da necessidade da própria História da Arte.

Resumo em Espanhol:

RESUMEN Este artículo parte de la experiencia de la autora como investigadora del arte moderno brasileño para articular reflexiones sobre su inserción en este campo, además de problematizar la propia concepción de lo moderno o del modernismo, su ingreso en la universidad y, por último, los dilemas intrínsecos a la ampliación global de la propia disciplina. Todas estas cuestiones se conectan en la búsqueda de respuestas a la pregunta que da título a este artículo acerca de la pertinencia, la validez o la necesidad de la propia Historia del Arte.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This study draws on its author’s experience as a researcher of modern Brazilian art to articulate reflections on her involvement in this field of research and problematize the very concept of modern or modernism, its entry into the university, and, finally, the dilemmas intrinsic to the global expansion of the discipline. This study connect these issues to answer the question that serves as the title of this study about the relevance, validity, or necessity of history of art.

Resumo em Português:

RESUMO O artigo foca na historiografia das artes plásticas do Brasil a partir da década de 1990, quando instituições na Europa e nos EUA começaram a apresentá-la com mais frequência em meio à crescente globalização do sistema artístico. Casos extremos são destacados para demonstrar como acadêmicos baseados fora do Brasil estão ajudando a construir um cânone artístico que contrasta e ultrapassa o cânone delineado em coleções, exposições, publicações acadêmicas do país. Em seguida, são ressaltados desafios, ações e feitos de pesquisadores baseados no país que têm enfrentado os impasses historiográficos nas encruzilhadas da globalização.

Resumo em Espanhol:

RESUMEN Este artículo se centra en la historiografía de las artes plásticas en Brasil a partir de la década de 1990, cuando instituciones de Europa y Estados Unidos comenzaron a presentarla con mayor frecuencia en medio de la creciente globalización del sistema artístico. Se destacan casos extremos para demostrar cómo académicos radicados fuera de Brasil están ayudando a construir un canon artístico que contrasta y domina el canon esbozado en colecciones, exposiciones y publicaciones académicas en este país. A continuación, se destacan desafíos, acciones y logros de investigadores radicados en el país que han enfrentado impases historiográficos en la encrucijada de la globalización.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT The article focuses on the historiography of Brazil’s visual arts from the 1990s onwards, when institutions in Europe and the US began to include Brazil’s art more frequently amid the growing globalization of the art system. Edge cases are highlighted to show how scholars based outside Brazil are helping to build a canon of its visual arts that contrasts and surpasses the canon outlined in national collections, exhibitions, publications, and scholarly production to face the challenges of these historiographic crossroads. Next, the challenges, actions, and achievements of researchers based in the country who have faced historiographical impasses at the crossroads of globalization are highlighted.

Resumo em Português:

RESUMO Transcrição da fala de Ronaldo Brito no seminário Arte no Brasil 1970-2020: deslocamentos da crítica e da história da arte, realizado no Museu de Arte do Rio, em 8 de maio de 2024. O texto levanta importantes questões a respeito da atual situação da arte e da crítica de arte com a ascensão das mídias digitais e informacionais e a representação de marcadores sociais que problematizam os discursos hegemônicos da cultura ocidental. O autor discute as transformações da experiência artística e da noção de opinião pública no mundo globalizado, e destaca a noção de consciência histórica diretamente associada à crítica.

Resumo em Espanhol:

RESUMEN Transcripción del discurso de Ronaldo Brito en el seminario Arte en Brasil 1970-2020: Dislocaciones de la crítica y de la historia del arte, que ocurrió en el Museo de Arte de Río el 8 de mayo de 2024. Este texto plantea temas importantes sobre la situación actual del arte y de la crítica del arte ante el surgimiento de los medios digitales e informativos y la representación de marcadores sociales que problematizan los discursos hegemónicos de la cultura occidental. El autor discute las transformaciones de la experiencia artística y la noción de la opinión pública en el mundo globalizado, y destaca la noción de conciencia histórica directamente asociada con las críticas.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This is a transcript of Ronaldo Brito’s speech in the seminar Art in Brazil 1970-2020: Dislocations of Criticism and Art History, held at the Rio Art Museum on May 8, 2024. It raises important questions regarding the current situation of art and art criticism with the rise of digital and informational media and the representation of social markers that problematize the hegemonic discourses of Western culture. The author discusses the transformations of the artistic experience and the notion of public opinion in a globalized world and highlights the notion of Historical Consciousness directly associated with criticism.

Resumo em Português:

RESUMO O texto apresenta a trajetória da artista Iole de Freitas desde os anos 1960, destacando suas experimentações em body art, vídeo e fotografia, seu envolvimento com movimentos feministas, bem como suas reflexões sobre a inseparabilidade entre arte e ética e seu papel na transformação social.

Resumo em Espanhol:

RESUMEN Este texto presenta la trayectoria del artista Iole de Freitas desde la década de 1960 y destaca sus experimentos en Body art, video y fotografía, la participación en movimientos feministas, así como sus reflexiones sobre la inseparabilidad entre el arte y la ética, y su papel en la transformación social.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This text traces the artistic journey of Iole de Freitas from the 1960s onward. It emphasizes her exploration of body art, video, and photography, her involvement with feminist movements, and her reflections on the inseparable connection between art and ethics and its role in social transformation.

Resumo em Português:

RESUMO Tomando como referência algumas questões colocadas em minha entrevista no livro O Papel da Crítica na Formação de um Pensamento Contemporâneo de Arte no Brasil na Década de 1970 (2023), porém em conexão direta com a posição desenvolvida enquanto artista nas últimas décadas, problemas da crítica e da teoria da arte serão aqui organizados a partir das relações concretas e materiais envolvidas na produção dos trabalhos, sob a perspectiva de uma ação que é ao mesmo tempo sensorial e conceitual. Serão desdobrados, entre outros tópicos: as relações entre problemas do circuito de arte dos anos 1970 e 1980; o “desaparecimento” do crítico frente ao curador; as mutações do circuito de arte no final do século XX e início do século XXI; e o investimento em uma imagem do artista que compreende esse agente como além do mero produtor de obras de arte.

Resumo em Espanhol:

RESUMEN Tomando como referencia algunas cuestiones planteadas en mi entrevista para el libro O Papel da Crítica na Formação de um Pensamento Contemporâneo de Arte no Brasil na Década de 1970 (2023), y en una conexión directa con la posición desarrollada como artista en las últimas décadas, en este texto se organizarán problemas de la crítica y la teoría del arte a partir de las relaciones concretas y materiales involucradas en la producción de las obras, bajo la perspectiva de una acción que es a la vez sensorial y conceptual. Se abordarán, entre otros temas, las relaciones entre problemas del circuito de arte de los años 1970 y 1980; la “desaparición” del crítico frente al curador; las mutaciones del circuito de arte a finales del siglo XX e inicios del siglo XXI; y la inversión en una imagen del artista que comprende a este agente más allá del mero productor de obras de arte.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT Taking as a reference some of the questions raised in my interview in the book O Papel da Crítica na Formação de um Pensamento Contemporâneo de Arte no Brasil na Década de 1970 (2023) but in direct connection with the position I have developed as an artist in the last decades, problems of criticism and art theory will be organized in this study from the concrete and material relationships involved in the production of the works under the perspective of an action that is both sensorial and conceptual. Among other topics, this study will focus on the relationship between the problems of the art circuit in the 1970s and 1980s; the ‘disappearance’ of the critic in relation to the curator; the mutations of the art circuit at the end of the 20th century and the beginning of the 21st century; and the investment in an image of the artist that understands this agent as more than just a producer of works of art.

Resumo em Português:

RESUMO O texto examina o ocaso contemporâneo da crítica de arte, gênero literário ao qual a modernidade do século XIX havia conferido extraordinária potência crítica, nascido sob os auspícios de uma nascente cultura de massas e tendo alcançado plena maturidade cultural entre os anos 1930 e 1970. Argumenta que os primeiros sinais desse ocaso teriam vindo à tona no último quartel do século XX, e que eles estariam ligados ao surgimento de um onipresente sistema da arte e da cultura, que desde então se teria firmado como uma nova esfera pública da arte. O recuo da crítica de arte (ao menos nos termos em que a modernidade a forjara) estaria, conforme aduz a autora, crucialmente ligado ao desaparecimento do modo de produção do próprio trabalho de arte tal como se forjara na modernidade. A saída de cena dessa modalidade de escrita ensaística notavelmente influente na arte do século XX estaria ainda associada, conforme conclui a autora, à profissionalização e cerrada institucionalização do ambiente artístico e cultural encetadas naquele período, fatores graças aos quais a produção artística passara a emergir imediatamente para uma nova e onipresente esfera da cultura, com sua constelação lábil e diversificada de novos atores que doravante se introduziam como mediadores entre essa produção e o público.

Resumo em Espanhol:

RESUMEN El texto examina el ocaso contemporáneo de la crítica de arte, género literario al que la modernidad del siglo XIX había conferido un extraordinario poder crítico, nacido bajo los auspicios de una cultura de masas naciente y que alcanzó su plena madurez cultural entre los años 1930 y 1970. Argumenta que los primeros indicios de este declive surgieron en el último cuarto del siglo XX y estarían relacionados con el surgimiento de un sistema omnipresente de arte y cultura, que desde entonces se habría consolidado como una nueva esfera pública del arte. La recogida de la crítica de arte (al menos en los términos en que la modernidad la había forjado) estaría, según la autora, crucialmente conectada con la desaparición del modo de producción de la propia obra de arte tal y como se había constituido en la modernidad. La salida de escena de esta modalidad de escritura ensayística notablemente influyente en el arte del siglo XX estaría aún asociada, según concluye la autora, a la profesionalización y la cerrada institucionalización del ambiente artístico y cultural durante ese período, factores gracias a los cuales la producción artística pasó a emerger inmediatamente a una nueva y omnipresente esfera de la cultura, con su constelación lábil y diversificada de nuevos actores que a partir de entonces se introdujeron como mediadores entre esa producción y el público.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT The text examines the contemporary twilight of art criticism, a literary genre to which 19th-century-modernity had conferred extraordinary critical vigor, and which had been born under the auspices of an emerging mass culture, reaching full maturity between the 1930s and 1970s. It claims that the first signs of this twilight appeared in the last one and a half decades of the 20th century and were connected to the emergence of an omnipresent system of art and culture that since then has established itself as a new artistic public sphere. According to the author, the retraction of art criticism (at least in the terms from which modernity had forged it) is crucially connected to the disappearance of the mode of production of the artwork as it had been constituted in modernity. As the author concludes, this modality of essayistic writing, notably influential in the art of 20th century, steps aside also as a result of the professionalization and constricted institutionalization of the artistic and cultural field during that period, thanks to which artistic production promptly emerged in direction of a new and omnipresent cultural sphere, with its liable and diverse constellation of new actors that henceforth would introduce themselves as mediators between this production and the public.

Resumo em Português:

RESUMO João Luiz Musa (1951, São Paulo, Brasil) é uma referência para a fotografia latino-americana. Sua atuação intelectual une prática, teoria e ensino. Como fotógrafo e professor, contribuiu na formação de gerações de profissionais e pesquisadores. Na Universidade de São Paulo, estabeleceu os laboratórios de fotografia analógica e digital, criou os currículos para disciplinas de fotografia e coordena o Grupo de Pesquisa de Impressão Fotográfica. Expôs seu trabalho em museus, galerias e publicou inúmeros livros. Na entrevista, realizada em 2024 por Lucas Eskinazi e Marcelo Schellini, Musa faz reflexões sobre a sua trajetória como artista, a linguagem fotográfica e seu ensino na Universidade, os conflitos em manter a prática artística e a docência e os desafios da transmissão do conhecimento.

Resumo em Espanhol:

RESUMEN João Luiz Musa (1951, São Paulo, Brasil) es una referencia en la fotografía latinoamericana. Su labor intelectual une práctica, teoría y enseñanza. Como fotógrafo y profesor, ha contribuido a la formación de generaciones de profesionales e investigadores. En la Universidad de São Paulo, estableció los laboratorios de fotografía analógica y digital, creó los programas de estudio para las asignaturas de fotografía y coordina el Grupo de Investigación en Impresión Fotográfica. Ha expuesto su obra en museos y galerías, y ha publicado numerosos libros. En la entrevista, realizada en 2024 por Lucas Eskinazi y Marcelo Schellini, Musa reflexiona sobre su trayectoria como artista, el lenguaje fotográfico y su enseñanza, los conflictos entre la práctica artística y la docencia, y los desafíos de la transmisión del conocimiento.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT João Luiz Musa (1951, São Paulo, Brazil) is a key figure in Latin American photography. His intellectual work integrates practice, theory, and teaching. As a photographer and professor, he has helped train generations of professionals and researchers. At the University of São Paulo, he established the analog and digital photography laboratories, developed the curricula for photography courses, and coordinates the Photographic Printing Research Group. He has exhibited his work in museums and galleries and published numerous books. In the interview conducted in 2024 by Lucas Eskinazi and Marcelo Schellini, Musa reflects on his career as an artist, the photographic language and its teaching at the University, the tensions between artistic practice and teaching, and the challenges of transmitting knowledge.